Chungking Express
Un film de Wong KAR-WAI
Musique
Frankie Chan, Roel A. Garcia
Générique de fin sur la chanson des Cranberries, "Dreams", chantée par Faye Wong...
avec Takeshi Kaneshiro, Brigitte Lin,Tony Leung, Faye Wong, Valerie Chow,...
Quatre destins se croisent: une mystérieuse tueuse à l'imper beige et aux lunettes de soleil rencontre un flic qui attend désespérément le retour de sa petite amie, et une employée d'un petit restaurant tombe amoureuse d'un autre policier qui est lui aussi célibataire.
Film culte... Pour mériter cette appellation tant recherchée, une œuvre cinématographique doit bénéficier d'un certain nombre de données plus ou moins objectives. Certains films, accueillis froidement voire carrément vilipendés à leur sortie, nécessitent des années pour rencontrer leur public et même mieux leurs "maniaques". Ainsi des films comme Freaks de Todd Browning (1932) ou La Nuit du Chasseur de Charles Laughton (1955)... D'autres, à l'inverse, "claquent" d'entrée: A bout de souffle de Jean-Luc Godard (1959), Johnny Got His Gun de Dalton Trumbo (1971) ou plus près de nous(enfin presque de nous 12 ans quand même) Pulp Fiction de Quentin Tarrantino (1994)... CHUNGKING EXPRESS appartient à cette deuxième catégorie...
♥Il était une fois le cinéma de Christ-Argento-Fulci-Frizzi ♥Amoureuse du cinéma et de musique♥
Description :
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♥ Christ-Argento-Fulci-Frizzi
Je m'appelle Christin@ ♥
♥Cinéphile depuis mon enfance, le Cinéma m'émerveille les yeux avec Fulci, Argento, Soavi, Tarantino, Murnau, Truffaut, Keaton, Chaplin, Burton, Hitchcock, Allen, S.king, Almodovar, kitano, Lynch, Romero,Kubrick, Scorsese, Coppola, Kar-Wai, Cocteau, Welles, Capra, Carpenter, Shyamalan,Lynch,.... ♥
♥Ainsi que les oreilles avec Fabio Frizzi,Ennio Morricone,Danny Elfman,Claudio Simonetti,Goblin,John Murphy,etc.. ♥
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♥"Lolita, lumière de ma vie, feu de mes reins. Mon péché, mon âme. Lo-lii-ta : le bout de la langue fait trois petits pas le long du palais pour taper, à trois, contre les dents. Lo. Lii. Ta.♥
♥Le matin, elle était Lo, simplement Lo, avec son mère quarante-six et son unique chaussette. Elle était Lola en pantalon. Elle était Dolly à l'école. Elle était Dolores sur les pointillés. Mais dans mes bras, elle était toujours Lolita." ♥
♥Lolita, Vladimir Nabokov. ♥
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Son profil
cristaline0543 ans
charleroi
Belgique
charleroi
Belgique
IN THE MOOD FOR LOVE de Wong Kar Wai
avec Maggie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Leslie Cheung, Jacky Cheung
In the mood for Love
ou la vertu de l'absence...
Hong Kong, 1962. M. et Mme Chow emmenagent dans leur nouvel appartement le meme jour que leurs voisins, M. et Mme Chan. Sans comprendre comment cela a commence, Chow Mo-wan et Chan Li-zhen apprennent que leurs epoux respectifs ont une liaison. Cette decouverte les choque mais les rapproche. Ils se voient de plus en plus souvent mais le voisinage commence a s'en apercevoir. Il semble n'y avoir aucune possibilite pour eux de vivre une relation amoureuse. Mais la retenue, les reserves emotionnelles de Mme Chan hantent M. Chow, qui sent ses sentiments changer.
Il est vrai que face à Björk, Maggie Cheung avait du souci à se faire mais il aurait été si pertinent d'attribuer le prix d'interprétation féminine à cette actrice qui, d'un sourire, d'une larme à su nous émouvoir autant que Tony Leung nous impressionne par sa quiétude tumultueuse, sa frénésie flegmatique. L'art d'exister sans en faire trop. C'est un nouveau couple qui vient de s'inscrire au fronton des studios chinois. Un couple qui restera dans les mémoires aussi brûlant et volatile que l'icône de l'amour qu'ils véhiculent.
Happy Birthday To You... Marilyn Monroe
Il y a 80 ans naissait la divine et évanescente Marilyn Monroe, future icône hollywoodienne, prête à tout pour se révéler aux yeux du monde. Sa vie chaotique, cascade de rencontres inespérées, de merveilleux succès et d'échecs cuisants, la plongea tour à tour dans l'euphorie la plus exaltante ou la dépression la plus profonde. Hypersensibilité ou acharnement du sort ? Portrait d'une héroïne déterminée et contradictoire, dont le mythe subsiste, plus vivant que jamais.
Le 1er juin 1926, au General Hospital de Los Angeles, Norma Jean Baker Mortensen voit le jour. Sa maman, Gladys Pearl Baker - née Monroe - a déjà deux enfants, et souffre de troubles psychiatriques. Quant à son père, nul ne pourra déterminer son identité. Onze jours après sa naissance, la vie de celle qui deviendra l'insaisissable Marilyn Monroe bascule dans le chaos quand sa mère la place dans une famille d'accueil. Sept ans plus tard, Gladys Pearl Baker achète un bungalow à Hollywood et décide d'y emménager avec sa fille, enfant solitaire et précoce. Malgré tous ses efforts, cette stabilité illusoire ne dure que deux ans, jusqu'à ce qu'elle soit internée pour une grave dépression, ce qui marqua profondément Norma Jean. La tutelle de l'enfant est alors confiée à Grace Mc Kee, la meilleure amie de sa mère qui la laisse errer d'orphelinats en familles d'accueil. Désemparée et seule, Norma Jean intègre Emmerson Jr High School en 1938. Lorsque l'occasion de quitter son milieu se présente, elle n'hésite pas à la saisir. Elle arrête ses études et épouse un voisin, James Dougherty, le 19 juin 1942. Elle s'aperçoit vite que la vie de femme au foyer ne lui convient pas et trouve du travail dans une usine de munitions, où elle rencontre David Conover, photographe pour l'armée, qui la prend pour modèle et lui conseille de tenter une carrière de mannequin. Dès lors, elle cède à ses rêves, délaisse travail et mari, et divorce pour la première fois en 1946. Elle s'inscrit à l'agence Blue Book d'Emmeline Snively et teint ses cheveux en blond. Sa carrière démarre quand elle se présente chez le photographe André de Dienes, qui devient son Pygmalion.
Sur la route du firmament
En 1946, la carrière de pin-up de Norma Jean est faite. Elle pose en tenues légères pour de grands photographes et fait régulièrement la une des magazines. Forte de ce succès, elle se tourne vers le cinéma, sous le doux pseudonyme de Marilyn Monroe. La belle est prête à tous les efforts ; elle prend des cours de chant, de diction, de danse et d'art dramatique, et multiplie les petits rôles dans l'espoir de se faire remarquer. Elle signe deux contrats d'essai, avec la 20th Century Fox, puis Columbia Pictures, qui misent sur son "sex-appeal". Mais derrière les noms prestigieux de ces studios mythiques elle ne connaîtra que des désillusions. Son nom commence toutefois à apparaître dans des journaux comme le Daily Mirror, ou plus tard Photoplay Magazine, qui la présentent comme une jeune beauté prometteuse. Dans les faits, c'est son physique qui attire les convoitises, comme le soulignera Groucho Marx, qui l'engagera en raison de l'émoi que suscitait son postérieur. Son salut viendra à nouveau d'un homme, l'agent Johnny Hyde. Il lui décroche deux rôles majeurs - dans 'The Asphalt Jungle' et 'All About Eve' - et lui finance deux chirurgies plastiques : le nez et le menton. Elle refuse sa demande en mariage, ne voulant prendre le mari d'une autre, et quelque temps plus tard Johnny Hyde décède des suites de troubles cardiaques. Marilyn, qui se sent coupable, aurait fait sa première tentative de suicide suite à cette douloureuse expérience, mais s'en tire tout de même avec un nouveau contrat de sept ans avec la Fox. Bien qu'elle enchaîne les rôles et travaille les stars de l'époque - Joseph L. Mankiewicz, Bette Davis, Fritz Lang ou encore Howard Hawks - elle ne parvient pas à se détacher de l'image de jolie blonde au physique avantageux.
La révélation tant espérée survient en 1952. Quelques années plus tôt, ne pouvant plus subvenir à ses besoins, Marilyn avait posé nue sous un nom d'emprunt devant l'objectif du photographe Tom Kelley. Lorsque le Los Angeles Times révèle le pseudo scandale, elle fait face, s'explique à la presse et au public et suscite la compassion. Elle fera d'ailleurs la une du premier numéro du magazine Playboy, lancé par Hugues Hefner en décembre 1953, dans lequel les photos seront publiées. Dès lors, tout s'enchaîne avec une rapidité déconcertante pour la sensible et influençable Marilyn, qui lutte pour se maintenir au sommet. Elle obtient son premier grand rôle dans 'Troublez-moi ce soir' et éclaircit ses cheveux pour 'Chérie, je me sens rajeunir'. Cette nouvelle image lui vaudra le surnom de "canicule blonde". Les médias la sollicitent, mais commencent à dévoiler ses secrets. Elle reçoit plusieurs prix, et brille dans 'Le Démon s'éveille la nuit', 'Niagara', 'Les Hommes préfèrent les blondes' ou 'Comment épouser un millionnaire'. Son statut de star n'est pourtant pas reconnu, puisque son salaire reste nettement inférieur à celui d'autres acteurs pourtant moins charismatiques. Déjà, l'auteur Ben Hecht l'aide à travailler sur son autobiographie ; elle n'a que 28 ans.
La maladie d'amour
Le 14 janvier 1954, Marilyn épouse l'ancien champion de base-ball Joe DiMaggio. Elle confie qu'il la bat, commence à prendre des pilules et s'absente des plateaux pour raisons de santé. Leur union ne dure que huit mois, mais la laisse très éprouvée. Elle s'exile alors à New York, fuyant Hollywood et son star-system, et suit les cours de l'Actor's Studio. Elle fonde la 'Marylin Monroe Productions', et trouve la force de renégocier son contrat avec la Fox, qui lui accorde enfin la liberté de choisir ses projets et revoit son salaire à la hausse. Marilyn se construit une image d'héroïne tour à tour superficielle, provocatrice et glamour, et parvient à émouvoir. Mais la gloire cinématographique éclipse son manque d'assurance et sa soif de reconnaissance. Son mariage très médiatisé avec Arthur Miller en juin 1956 marque un tournant dans sa vie. Pour la première fois, elle se dit profondément heureuse, et l'attention de cet homme réputé pour son intelligence lui redonne confiance. Ils tournent ensemble 'The Misfits', dont Arthur Miller écrit le scénario pour elle.
Pourtant, en à peine cinq ans, leur union tourne court. Il la décrit comme une femme distante, méfiante, assommée par les calmants et n'existant que par les autres. Il est vrai qu'à cette époque Marilyn a commencé à boire, ce qui influe considérablement sur son humeur. Victime de plusieurs fausses couches, elle enchaîne les overdoses de médicaments et ne parvient pas à reprendre le dessus malgré sa thérapie. La rumeur d'une liaison avec Yves Montand et sa rencontre avec John F. Kennedy précipitèrent peut-être leur séparation. Peu avant sa mort, Arthur Miller reconnaîtra qu'elle avait besoin d'aide. Durant cette période difficile, Marilyn n'a quasiment plus la force de tourner. Elle participe tout de même à 'Certains l'aiment chaud' - qui lui vaudra un golden globe de la meilleure actrice - pour fuir son isolement. Elle se fait finalement interner en 1961, mais les visites de Frank Sinatra, Joe DiMaggio et la rencontre de sa demi-soeur Bernice Baker empêchent la rupture nécessaire avec le monde extérieur.
La chute
L'année 1962 marque une fin à la fois brutale et prévisible. On prête à Marilyn des liaisons avec Robert, puis John F. Kennedy, à qui elle rend un hommage tout particulier en lui chantant un mémorable 'Happy Birthday' au Madison Square Garden. Exténuée, lasse, elle ne peut terminer le tournage de 'Something's Got to Give', et la Fox la poursuit pour rupture de contrat. Malgré un prix de meilleure actrice de l'époque décerné par la presse étrangère et une campagne destinée à restaurer son image, tout le monde la considère perdue. Pourtant celle qui reçoit jusqu'à 250 demandes en mariage chaque semaine déclare alors rêver d'une famille, et d'une vie "normale". Sur les conseils de son psychiatre, elle achète une maison dans le quartier excentré de Brentwood. C'est là qu'on la retrouvera morte le 5 août, à l'âge de 36 ans. Son maquilleur, Allan Snyder, à qui elle avait fait promettre dix ans auparavant qu'il s'occuperait toujours de la mettre en beauté, la préparera pour ses funérailles, auxquelles seules 24 personnes furent conviées. L'enquête sur son décès ne pourra être menée à terme. Elle conclura à un suicide, mais la thèse de l'assassinat reste envisageable.
Celle dont on retiendra les excentricités, comme sa parade sur un éléphant rose lors d'un gala de charité au Madison Square Garden, ou la scène de la robe qui virevolte, reste aujourd'hui une énigme. Capricieuse et agaçante lorsque les atteintes du monde extérieur la plongeaient dans des phases de dépression dont rien ni personne ne pouvait la sortir, insaisissable, craintive et en quête d'absolu, Marilyn Monroe est finalement devenue un sex-symbol et un emblème de l'Amérique. Elle emporte avec elle son mystère, mais reste un mythe dont l'existence inspira de nombreuses vies, comme le chanta Elton John en hommage à sa mémoire dans 'Candle in the Wind'.
Il y a 80 ans naissait la divine et évanescente Marilyn Monroe, future icône hollywoodienne, prête à tout pour se révéler aux yeux du monde. Sa vie chaotique, cascade de rencontres inespérées, de merveilleux succès et d'échecs cuisants, la plongea tour à tour dans l'euphorie la plus exaltante ou la dépression la plus profonde. Hypersensibilité ou acharnement du sort ? Portrait d'une héroïne déterminée et contradictoire, dont le mythe subsiste, plus vivant que jamais.
Le 1er juin 1926, au General Hospital de Los Angeles, Norma Jean Baker Mortensen voit le jour. Sa maman, Gladys Pearl Baker - née Monroe - a déjà deux enfants, et souffre de troubles psychiatriques. Quant à son père, nul ne pourra déterminer son identité. Onze jours après sa naissance, la vie de celle qui deviendra l'insaisissable Marilyn Monroe bascule dans le chaos quand sa mère la place dans une famille d'accueil. Sept ans plus tard, Gladys Pearl Baker achète un bungalow à Hollywood et décide d'y emménager avec sa fille, enfant solitaire et précoce. Malgré tous ses efforts, cette stabilité illusoire ne dure que deux ans, jusqu'à ce qu'elle soit internée pour une grave dépression, ce qui marqua profondément Norma Jean. La tutelle de l'enfant est alors confiée à Grace Mc Kee, la meilleure amie de sa mère qui la laisse errer d'orphelinats en familles d'accueil. Désemparée et seule, Norma Jean intègre Emmerson Jr High School en 1938. Lorsque l'occasion de quitter son milieu se présente, elle n'hésite pas à la saisir. Elle arrête ses études et épouse un voisin, James Dougherty, le 19 juin 1942. Elle s'aperçoit vite que la vie de femme au foyer ne lui convient pas et trouve du travail dans une usine de munitions, où elle rencontre David Conover, photographe pour l'armée, qui la prend pour modèle et lui conseille de tenter une carrière de mannequin. Dès lors, elle cède à ses rêves, délaisse travail et mari, et divorce pour la première fois en 1946. Elle s'inscrit à l'agence Blue Book d'Emmeline Snively et teint ses cheveux en blond. Sa carrière démarre quand elle se présente chez le photographe André de Dienes, qui devient son Pygmalion.
Sur la route du firmament
En 1946, la carrière de pin-up de Norma Jean est faite. Elle pose en tenues légères pour de grands photographes et fait régulièrement la une des magazines. Forte de ce succès, elle se tourne vers le cinéma, sous le doux pseudonyme de Marilyn Monroe. La belle est prête à tous les efforts ; elle prend des cours de chant, de diction, de danse et d'art dramatique, et multiplie les petits rôles dans l'espoir de se faire remarquer. Elle signe deux contrats d'essai, avec la 20th Century Fox, puis Columbia Pictures, qui misent sur son "sex-appeal". Mais derrière les noms prestigieux de ces studios mythiques elle ne connaîtra que des désillusions. Son nom commence toutefois à apparaître dans des journaux comme le Daily Mirror, ou plus tard Photoplay Magazine, qui la présentent comme une jeune beauté prometteuse. Dans les faits, c'est son physique qui attire les convoitises, comme le soulignera Groucho Marx, qui l'engagera en raison de l'émoi que suscitait son postérieur. Son salut viendra à nouveau d'un homme, l'agent Johnny Hyde. Il lui décroche deux rôles majeurs - dans 'The Asphalt Jungle' et 'All About Eve' - et lui finance deux chirurgies plastiques : le nez et le menton. Elle refuse sa demande en mariage, ne voulant prendre le mari d'une autre, et quelque temps plus tard Johnny Hyde décède des suites de troubles cardiaques. Marilyn, qui se sent coupable, aurait fait sa première tentative de suicide suite à cette douloureuse expérience, mais s'en tire tout de même avec un nouveau contrat de sept ans avec la Fox. Bien qu'elle enchaîne les rôles et travaille les stars de l'époque - Joseph L. Mankiewicz, Bette Davis, Fritz Lang ou encore Howard Hawks - elle ne parvient pas à se détacher de l'image de jolie blonde au physique avantageux.
La révélation tant espérée survient en 1952. Quelques années plus tôt, ne pouvant plus subvenir à ses besoins, Marilyn avait posé nue sous un nom d'emprunt devant l'objectif du photographe Tom Kelley. Lorsque le Los Angeles Times révèle le pseudo scandale, elle fait face, s'explique à la presse et au public et suscite la compassion. Elle fera d'ailleurs la une du premier numéro du magazine Playboy, lancé par Hugues Hefner en décembre 1953, dans lequel les photos seront publiées. Dès lors, tout s'enchaîne avec une rapidité déconcertante pour la sensible et influençable Marilyn, qui lutte pour se maintenir au sommet. Elle obtient son premier grand rôle dans 'Troublez-moi ce soir' et éclaircit ses cheveux pour 'Chérie, je me sens rajeunir'. Cette nouvelle image lui vaudra le surnom de "canicule blonde". Les médias la sollicitent, mais commencent à dévoiler ses secrets. Elle reçoit plusieurs prix, et brille dans 'Le Démon s'éveille la nuit', 'Niagara', 'Les Hommes préfèrent les blondes' ou 'Comment épouser un millionnaire'. Son statut de star n'est pourtant pas reconnu, puisque son salaire reste nettement inférieur à celui d'autres acteurs pourtant moins charismatiques. Déjà, l'auteur Ben Hecht l'aide à travailler sur son autobiographie ; elle n'a que 28 ans.
La maladie d'amour
Le 14 janvier 1954, Marilyn épouse l'ancien champion de base-ball Joe DiMaggio. Elle confie qu'il la bat, commence à prendre des pilules et s'absente des plateaux pour raisons de santé. Leur union ne dure que huit mois, mais la laisse très éprouvée. Elle s'exile alors à New York, fuyant Hollywood et son star-system, et suit les cours de l'Actor's Studio. Elle fonde la 'Marylin Monroe Productions', et trouve la force de renégocier son contrat avec la Fox, qui lui accorde enfin la liberté de choisir ses projets et revoit son salaire à la hausse. Marilyn se construit une image d'héroïne tour à tour superficielle, provocatrice et glamour, et parvient à émouvoir. Mais la gloire cinématographique éclipse son manque d'assurance et sa soif de reconnaissance. Son mariage très médiatisé avec Arthur Miller en juin 1956 marque un tournant dans sa vie. Pour la première fois, elle se dit profondément heureuse, et l'attention de cet homme réputé pour son intelligence lui redonne confiance. Ils tournent ensemble 'The Misfits', dont Arthur Miller écrit le scénario pour elle.
Pourtant, en à peine cinq ans, leur union tourne court. Il la décrit comme une femme distante, méfiante, assommée par les calmants et n'existant que par les autres. Il est vrai qu'à cette époque Marilyn a commencé à boire, ce qui influe considérablement sur son humeur. Victime de plusieurs fausses couches, elle enchaîne les overdoses de médicaments et ne parvient pas à reprendre le dessus malgré sa thérapie. La rumeur d'une liaison avec Yves Montand et sa rencontre avec John F. Kennedy précipitèrent peut-être leur séparation. Peu avant sa mort, Arthur Miller reconnaîtra qu'elle avait besoin d'aide. Durant cette période difficile, Marilyn n'a quasiment plus la force de tourner. Elle participe tout de même à 'Certains l'aiment chaud' - qui lui vaudra un golden globe de la meilleure actrice - pour fuir son isolement. Elle se fait finalement interner en 1961, mais les visites de Frank Sinatra, Joe DiMaggio et la rencontre de sa demi-soeur Bernice Baker empêchent la rupture nécessaire avec le monde extérieur.
La chute
L'année 1962 marque une fin à la fois brutale et prévisible. On prête à Marilyn des liaisons avec Robert, puis John F. Kennedy, à qui elle rend un hommage tout particulier en lui chantant un mémorable 'Happy Birthday' au Madison Square Garden. Exténuée, lasse, elle ne peut terminer le tournage de 'Something's Got to Give', et la Fox la poursuit pour rupture de contrat. Malgré un prix de meilleure actrice de l'époque décerné par la presse étrangère et une campagne destinée à restaurer son image, tout le monde la considère perdue. Pourtant celle qui reçoit jusqu'à 250 demandes en mariage chaque semaine déclare alors rêver d'une famille, et d'une vie "normale". Sur les conseils de son psychiatre, elle achète une maison dans le quartier excentré de Brentwood. C'est là qu'on la retrouvera morte le 5 août, à l'âge de 36 ans. Son maquilleur, Allan Snyder, à qui elle avait fait promettre dix ans auparavant qu'il s'occuperait toujours de la mettre en beauté, la préparera pour ses funérailles, auxquelles seules 24 personnes furent conviées. L'enquête sur son décès ne pourra être menée à terme. Elle conclura à un suicide, mais la thèse de l'assassinat reste envisageable.
Celle dont on retiendra les excentricités, comme sa parade sur un éléphant rose lors d'un gala de charité au Madison Square Garden, ou la scène de la robe qui virevolte, reste aujourd'hui une énigme. Capricieuse et agaçante lorsque les atteintes du monde extérieur la plongeaient dans des phases de dépression dont rien ni personne ne pouvait la sortir, insaisissable, craintive et en quête d'absolu, Marilyn Monroe est finalement devenue un sex-symbol et un emblème de l'Amérique. Elle emporte avec elle son mystère, mais reste un mythe dont l'existence inspira de nombreuses vies, comme le chanta Elton John en hommage à sa mémoire dans 'Candle in the Wind'.
Cadet d'une famille pauvre de quatre enfants, Takeshi Kitano commence sa carrière en tant que liftier dans un cabaret de spectacles burlesques. C'est là qu'il remplace au pied levé un des comédiens un soir de spectacle. Beat Takeshi est né. Avec son compère Beat Kiyoshi, il forme le duo Two Beats et se lance à l'assaut de la télévision japonaise en 1980. En duo comme en solo (avec l'émission Oretachi Hyohinzoku, littéralement Nous sommes sauvages et cinglés), Beat Takeshi triomphe tout au long des années 80 avec son goût de la provocation et son irrévérence. Au cnéma, ce goût pour le burlesque et la farce trouve son illustration dans le délirant Getting any ?, qu'il réalise en 1994. Le film n'est distribué qu'en 2001 en France.
Il entame parallèlement une carrière au cinéma, en apparaissant notamment dans Furyo de Nagisa Oshima en 1983. En 1989, Takeshi Kitano se lance dans la réalisation avec le polar Violent Cop. Deux carrières symétriques et deux noms différents pour chacune de ces directions : Beat Takeshi pour l'acteur, Takeshi Kitano pour le réalisateur. Beat Takeshi apparaît dans tous les films de Takeshi Kitano, ainsi que dans Johnny Mnemonic de Robert Longo en 1995, Tokyo Eyes de Jean-Pierre Limosin en 1998, Tabou pour lequel il retrouve Nagisa Oshima en 2000 ou encore Battle royale de Kinji Fukasaku, toujours en 2000. En 2005, il incarne à nouveau un homme violent et charismatique dans un drame signé Yoichi Sai et intitulé Blood and bones : son interprétation couvre 60 années de la vie d'un gangster brutal et solitaire.
Scénariste et acteur principal de ses propres films, Takeshi Kitano le réalisateur se fait connaître par ses polars au style mélancolique et ultra violent bien particulier : Jugatsu (1990), Sonatine (1993) et Aniki, mon frere (2000). Il y compose des personnages mutiques et inquiétants, que son visage à moitié paralysé (à la suite d'un accident de moto en 1994) contribue à rendre plus égnimatiques encore.
Dans cet univers violent, Kitano ménage des plages d'une infinie délicatesse, faisant ainsi se côtoyer le pathétique, la mélancolie et la cruauté la plus extrême. En témoigne Hana-Bi (1997), qui, en plus de lui offrir un Lion d'Or à Venise, l'impose définitivement au plan mondial. Il est également capable de signer des oeuvres débarrassées de toute violence, comme A Scene at the Sea (1992). Il poursuit dans la même veine avec L'Eté de Kikujiro (1999) ou encore le très pictural Dolls inspiré du théâtre de marionnettes japonais bunraku en 2003.
Il entame parallèlement une carrière au cinéma, en apparaissant notamment dans Furyo de Nagisa Oshima en 1983. En 1989, Takeshi Kitano se lance dans la réalisation avec le polar Violent Cop. Deux carrières symétriques et deux noms différents pour chacune de ces directions : Beat Takeshi pour l'acteur, Takeshi Kitano pour le réalisateur. Beat Takeshi apparaît dans tous les films de Takeshi Kitano, ainsi que dans Johnny Mnemonic de Robert Longo en 1995, Tokyo Eyes de Jean-Pierre Limosin en 1998, Tabou pour lequel il retrouve Nagisa Oshima en 2000 ou encore Battle royale de Kinji Fukasaku, toujours en 2000. En 2005, il incarne à nouveau un homme violent et charismatique dans un drame signé Yoichi Sai et intitulé Blood and bones : son interprétation couvre 60 années de la vie d'un gangster brutal et solitaire.
Scénariste et acteur principal de ses propres films, Takeshi Kitano le réalisateur se fait connaître par ses polars au style mélancolique et ultra violent bien particulier : Jugatsu (1990), Sonatine (1993) et Aniki, mon frere (2000). Il y compose des personnages mutiques et inquiétants, que son visage à moitié paralysé (à la suite d'un accident de moto en 1994) contribue à rendre plus égnimatiques encore.
Dans cet univers violent, Kitano ménage des plages d'une infinie délicatesse, faisant ainsi se côtoyer le pathétique, la mélancolie et la cruauté la plus extrême. En témoigne Hana-Bi (1997), qui, en plus de lui offrir un Lion d'Or à Venise, l'impose définitivement au plan mondial. Il est également capable de signer des oeuvres débarrassées de toute violence, comme A Scene at the Sea (1992). Il poursuit dans la même veine avec L'Eté de Kikujiro (1999) ou encore le très pictural Dolls inspiré du théâtre de marionnettes japonais bunraku en 2003.
Leçon de cinéma : Sydney Pollack
Je tiens juste à préciser que lorsque j'ai pris conscience d'être associé à une leçon, je me suis tout de suite senti incompétent". C'est ainsi que Sydney Pollack a entamé cette Leçon de cinéma. Après quarante années derrière la caméra et vingt films à son actif, le réalisateur de Out of Africa est revenu sur sa carrière, ses débuts en tant qu'acteur et sur sa dernière oeuvre : un documentaire intitulé Esquisses de Frank Gehry, présenté hors compétition de cette 59ème édition du Festival de Cannes.
Sur ses débuts de réalisateur :
"Lorsque j'ai débuté, je voulais vraiment devenir acteur. J'étais alors passionné par le théâtre. Le cinéma ne représentait qu'un divertissement du samedi après-midi, et je n'y songeais pas vraiment, même en tant que comédien. Il n'y avait pas d'université de cinéma à cette époque. J'ai tenté alors ma chance, sans grand succès. Je ne travaillais pas énormément. En revanche, je gagnais ma vie comme professeur de comédie. (...) Je suis arrivé à la réalisation par accident, vraiment. Ce sont Burt Lancaster et John Frankenheimer qui m'ont encouragé. J'étais un metteur en scène avant même d'en maîtriser la technique. J'ai donc appris sur le tas, comme ce fut le cas pour la comédie."
Sur la différence entre jouer pour la scène et pour le cinéma :
"J'ai vraiment des idées bien tranchées sur ce sujet. Des idées très impopulaires. Dans une pièce de théâtre, vous devez absolument réussir à vous libérer de l'emprise que peut avoir le metteur en scène sur vous. Car une fois le rideau levé, vous êtes tout seul devant le public. L'inverse s'applique au cinéma. Dans les moments importants, les acteurs ne sont plus là, tout le monde est parti. Vous restez seul avec quelques films. Les acteurs ne sont pas là pour comprendre ce qu'ils font, surtout s'ils ont fait une fois leur boulot et que vous l'avez enregistré. Je ne suis pas convaincu que le terme "performance" soit approprié. Ce ne sont que des répétitions, que vous pouvez effectuer à l'infini."
Sur la collaboration avec Robert Redford (et leur sept films ensemble) :
"C'est un luxe de pouvoir travailler avec quelqu'un que vous connaissez parfaitement et avec qui vous êtes à l'aise. Il en ressort une efficacité redoutable. Il a été un excellent collaborateur, presque un alter-ego pour le genre de films que j'aimais faire, à savoir des histoires d'amour. Il me faisait toujours penser à un golden boy torturé, une sorte de métaphore du parfait prototype américain selon moi."
Sur le tournage de Jeremiah Johnson :
"Ce fut un cauchemar, parce qu'il n'y a eu qu'un seul jour de tournage en intérieur. J'ai dû mettre une partie de mon salaire dans le budget, car j'en avais sous-estimé le coût. Ils voulaient un film entièrement tourné en studio. Je leur ai dit : "Donnez-moi juste l'argent et je vous livre le film". Aussi, ils ont pioché dans une partie de mon cachet pour alimenter la production. J'étais en quelque sorte contraint de le faire. J'avais fait appel au même directeur de la photo que sur mes trois premiers films. J'avais des "flashmètres" plein les poches. La neige peut endommager la pellicule si vous ne faites pas attention. C'était très délicat au niveau exposition. Ce n'était pas compliqué d'exploiter le côté cinématographique du lieu, mais juste dur d'y travailler. Il n'y avait pas plus de deux prises."
Sur le cinéma en tant qu'art visuel :
"Pour être honnête, je ne me considère pas comme un réalisateur visuel. C'est un domaine dans lequel je travaille comme un forcené, car c'est un peu mon talon d'Achille. Je suis plus à l'aise dans la direction d'acteurs. Et c'est parce que je me sens tranquille à ce niveau-là que j'essaie de me concentrer davantage sur l'aspect visuel de mes films. Il y a de grands styles visuels comme celui de Bertolucci. Le danger avec quelqu'un comme moi qui vient du théâtre, c'est de me contenter uniquement de discussion en champ-contrechamp. J'aime en tourner, mes films en sont pleins."
Sur le théâtre d'époque au début de sa carrière :
"Je crois que j'avais peur de verser dans le contemporain, parce que tout le monde en connaît les impressions et sait ce qui est authentique ou pas. Dès que vous plongez dans le passé, vous quittez littéralement la réalité du quotidien, c'est un sentiment très étrange. Vous pouvez faire ce que vous voulez en quelque sorte. Entre les costumes et l'éclairage, vous pouvez glisser dans le mythique."
Sur le montage de Tootsie :
"Le montage est la clé pour réussir une comédie. Cela donne le rythme et les rires en dépendent. En termes de facilité d'exécution, je range en premier la comédie, puis les polars, et enfin les drames. La cible à atteindre est minuscule en comédie, vous pouvez la toucher ou non. Concernant le polar, c'est plus une histoire de construction dans laquelle vous jouez avec le mystère et la confusion. Vous voulez le premier sans forcément la seconde. Tout le secret réside dans la manière de contenir l'information vis-à-vis du public. Si vous montez une séquence avec plein d'éléments dans le mauvais ordre, cela fausse tout."
Sur le nombre de prises et sur la solution offerte par le montage :
"Personnellement, je préfère effectuer quelques prises plutôt que beaucoup. Ce n'est pas toujours possible. Je ne dirais pas que je couvre tous les angles mais je veux avoir toutes les options possibles. (...) Stanley Kubrick faisait toujours énormément de prises ; il était à mon opposé. Il aimait vraiment faire 70-80 prises, sous tous les angles. C'est une toute autre façon de travailler. Il était plus intéressé par l'aspect théâtral que par le côté réaliste d'une interprétation. Il faisait des opéras."
Je tiens juste à préciser que lorsque j'ai pris conscience d'être associé à une leçon, je me suis tout de suite senti incompétent". C'est ainsi que Sydney Pollack a entamé cette Leçon de cinéma. Après quarante années derrière la caméra et vingt films à son actif, le réalisateur de Out of Africa est revenu sur sa carrière, ses débuts en tant qu'acteur et sur sa dernière oeuvre : un documentaire intitulé Esquisses de Frank Gehry, présenté hors compétition de cette 59ème édition du Festival de Cannes.
Sur ses débuts de réalisateur :
"Lorsque j'ai débuté, je voulais vraiment devenir acteur. J'étais alors passionné par le théâtre. Le cinéma ne représentait qu'un divertissement du samedi après-midi, et je n'y songeais pas vraiment, même en tant que comédien. Il n'y avait pas d'université de cinéma à cette époque. J'ai tenté alors ma chance, sans grand succès. Je ne travaillais pas énormément. En revanche, je gagnais ma vie comme professeur de comédie. (...) Je suis arrivé à la réalisation par accident, vraiment. Ce sont Burt Lancaster et John Frankenheimer qui m'ont encouragé. J'étais un metteur en scène avant même d'en maîtriser la technique. J'ai donc appris sur le tas, comme ce fut le cas pour la comédie."
Sur la différence entre jouer pour la scène et pour le cinéma :
"J'ai vraiment des idées bien tranchées sur ce sujet. Des idées très impopulaires. Dans une pièce de théâtre, vous devez absolument réussir à vous libérer de l'emprise que peut avoir le metteur en scène sur vous. Car une fois le rideau levé, vous êtes tout seul devant le public. L'inverse s'applique au cinéma. Dans les moments importants, les acteurs ne sont plus là, tout le monde est parti. Vous restez seul avec quelques films. Les acteurs ne sont pas là pour comprendre ce qu'ils font, surtout s'ils ont fait une fois leur boulot et que vous l'avez enregistré. Je ne suis pas convaincu que le terme "performance" soit approprié. Ce ne sont que des répétitions, que vous pouvez effectuer à l'infini."
Sur la collaboration avec Robert Redford (et leur sept films ensemble) :
"C'est un luxe de pouvoir travailler avec quelqu'un que vous connaissez parfaitement et avec qui vous êtes à l'aise. Il en ressort une efficacité redoutable. Il a été un excellent collaborateur, presque un alter-ego pour le genre de films que j'aimais faire, à savoir des histoires d'amour. Il me faisait toujours penser à un golden boy torturé, une sorte de métaphore du parfait prototype américain selon moi."
Sur le tournage de Jeremiah Johnson :
"Ce fut un cauchemar, parce qu'il n'y a eu qu'un seul jour de tournage en intérieur. J'ai dû mettre une partie de mon salaire dans le budget, car j'en avais sous-estimé le coût. Ils voulaient un film entièrement tourné en studio. Je leur ai dit : "Donnez-moi juste l'argent et je vous livre le film". Aussi, ils ont pioché dans une partie de mon cachet pour alimenter la production. J'étais en quelque sorte contraint de le faire. J'avais fait appel au même directeur de la photo que sur mes trois premiers films. J'avais des "flashmètres" plein les poches. La neige peut endommager la pellicule si vous ne faites pas attention. C'était très délicat au niveau exposition. Ce n'était pas compliqué d'exploiter le côté cinématographique du lieu, mais juste dur d'y travailler. Il n'y avait pas plus de deux prises."
Sur le cinéma en tant qu'art visuel :
"Pour être honnête, je ne me considère pas comme un réalisateur visuel. C'est un domaine dans lequel je travaille comme un forcené, car c'est un peu mon talon d'Achille. Je suis plus à l'aise dans la direction d'acteurs. Et c'est parce que je me sens tranquille à ce niveau-là que j'essaie de me concentrer davantage sur l'aspect visuel de mes films. Il y a de grands styles visuels comme celui de Bertolucci. Le danger avec quelqu'un comme moi qui vient du théâtre, c'est de me contenter uniquement de discussion en champ-contrechamp. J'aime en tourner, mes films en sont pleins."
Sur le théâtre d'époque au début de sa carrière :
"Je crois que j'avais peur de verser dans le contemporain, parce que tout le monde en connaît les impressions et sait ce qui est authentique ou pas. Dès que vous plongez dans le passé, vous quittez littéralement la réalité du quotidien, c'est un sentiment très étrange. Vous pouvez faire ce que vous voulez en quelque sorte. Entre les costumes et l'éclairage, vous pouvez glisser dans le mythique."
Sur le montage de Tootsie :
"Le montage est la clé pour réussir une comédie. Cela donne le rythme et les rires en dépendent. En termes de facilité d'exécution, je range en premier la comédie, puis les polars, et enfin les drames. La cible à atteindre est minuscule en comédie, vous pouvez la toucher ou non. Concernant le polar, c'est plus une histoire de construction dans laquelle vous jouez avec le mystère et la confusion. Vous voulez le premier sans forcément la seconde. Tout le secret réside dans la manière de contenir l'information vis-à-vis du public. Si vous montez une séquence avec plein d'éléments dans le mauvais ordre, cela fausse tout."
Sur le nombre de prises et sur la solution offerte par le montage :
"Personnellement, je préfère effectuer quelques prises plutôt que beaucoup. Ce n'est pas toujours possible. Je ne dirais pas que je couvre tous les angles mais je veux avoir toutes les options possibles. (...) Stanley Kubrick faisait toujours énormément de prises ; il était à mon opposé. Il aimait vraiment faire 70-80 prises, sous tous les angles. C'est une toute autre façon de travailler. Il était plus intéressé par l'aspect théâtral que par le côté réaliste d'une interprétation. Il faisait des opéras."
MARIE ANTOINETTE
Sofia COPPOLA Réalisation
Sofia COPPOLA Scénario & Dialogues
Aurore CLEMENT Duchesse de Chartres
Kirsten DUNST Marie Antoinette
Jason SCHWARTZMAN Louis XVI
Judy DAVIS Comtesse de Noailles
Rip TORN Louis XV
Asia ARGENTO Comtesse du Barry
Rose BYRNE Duchesse de Polignac
Au sortir de l'adolescence, une jeune fille découvre un monde hostile et codifié, un univers frivole où chacun observe et juge l'autre sans aménité.
Mariée à un homme maladroit qui la délaisse, elle est rapidement lassée par les devoirs de représentation qu'on lui impose.
Elle s'évade dans l'ivresse de la fête et les plaisirs des sens pour réinventer un monde à elle.
Extraits de dialogues
Marie Antoinette : "Tout cela est ridicule"
Comtesse de Noailles : "Tout cela, Madame, c'est Versailles"
Conférence de presse : "Marie-Antoinette" - 24/05/2006
La conférence de presse de Marie-Antoinette, présenté en compétition de ce Festival de Cannes, s'est déroulée en présence de la réalisatrice Sofia Coppola, des comédiens Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Steve Coogan, Marianne Faithfull et Aurore Clément, de la créatrice des costumes Milena Canonero et du producteur Ross Katz. Morceaux choisis.
Sur le personnage de Marie-Antoinette :
Sofia Coppola : "Avant que je n'aborde ce film, Marie-Antoinette était pour moi le symbole de la décadence. J'ai fait beaucoup de recherches, j'ai lu beaucoup de livres la concernant afin de mieux comprendre son expérience humaine. Elle a eu une destinée incroyable en arrivant en France à l'âge de quatorze ans seulement, en se voyant propulsée à la Cour de Versailles. C'est un personnage très intéressant, avec de multiples facettes. Je voulais me concentrer sur la facette la plus personnelle de cette figure historique. Et je voulais faire ressortir une énergie adolescente du film, car ces personnages étaient des gamins."
Kirsten Dunst : "C'est une femme moderne pour son époque. J'ai trouvé intéressant de l'incarner, car Sofia Coppola nous donne la liberté d'être simplement ce que nous sommes, et pas juste de nous limiter à jouer un personnage. Et puis j'ai trouvé cette expérience sensuelle, viscérale. Pour interpréter Marie-Antoinette, je suis allé chercher des choses personnelles, plutôt que de me pencher sur le passé."
Kirsten Dunst sur sa connaissance de l'Histoire de France :
"Lorsqu'on grandit en France, on connaît toute l'Histoire de France. Lorsqu'on grandit aux Etats-Unis, l'Histoire de France ne représente qu'un petit paragraphe. Je ne connaissais donc pas grand-chose de Marie-Antoinette avant ce film. Juste les bases de son histoire, le fait qu'elle avait été guillotinée. Petit à petit, je me suis rendue compte qu'elle était une personne très humaine, au destin tragique. J'ai été très émue par sa destinée, notamment en lisant le livre d'Antonia Fraser dont Sofia s'est inspirée."
Steve Coogan sur les critiques contre le film :
"Lorsque vous réalisez un film aussi particulier, il est inévitable qu'il y ait des critiques. Marie-Antoinette est particulier car ce n'est pas un document historique, le film a un véritable écho contemporain, il ne se fait pas submerger par l'époque. C'est préférable d'assister à des débats enflammés, de voir des avis complètement différents sur un film, plutôt que d'avoir des avis identiques. C'est ce que j'apprécie avec le travail de Sofia Coppola, le fait que ses films ne laissent jamais indifférents et provoquent le débat."
Sofia Coppola sur la musique du film :
"J'ai souhaité mélanger musique du XVIIIème siècle et musique contemporaine. Je trouve que le mélange provoque une certaine qualité émotionelle tout au long du film. Pour la scène où Marie-Antoinette arrive au bal masqué, enthousiaste, je trouve par exemple que la musique restranscrit bien ses émotions. La musique permettait de donner une vraie modernité à l'histoire."
Jason Schwartzman sur son personnage de Louis XVI :
"Pour incarner Louis XVI, j'ai bien sûr effectué de nombreuses recherches. Il y avait tout un travail à effectuer pour se déplacer, pour monter à cheval,... Il y avait des règles bien précises à l'époque, et il était nécessaire de les assimiler afin de construire ce personnage. J'ai beaucoup aimé refaire vivre Louis XVI, montrer qu'on peut être roi et timide à la fois, que des difficultés peuvent être intemporelles. Je trouve que le film est moderne, surtout avec les émotions humaines qui s'en dégagent. Celles-ci transcendent le temps."
Marianne Faithfull sur son personnage de Marie-Thérèse d'Autriche :
"C'est un personnage aux multiples facettes, un monstre dans un certain sens. Elle n'a pas préparé Marie-Antoinette à son rôle de Reine de France. Et puis je trouve qu'elle est sans doute la personne la moins décadente du film. C'est plutôt cocasse que ce soit moi qui l'incarne !" (rires)
Aurore Clément sur le rapprochement de la Cour de Versailles avec Cannes :
"J'ai beaucoup parlé avec Sofia, et je m'aperçois qu'elle s'est beaucoup inspirée de Cannes pour la Cour de Versailles. Cannes, c'est la jet-set, comme Versailles. A Cannes, tout le monde recherche des invitations, veut aller à des soirées, veut être reconnu. Et c'est, en quelque sorte, la même chose à Versailles."
Milena Canonero sur les costumes :
"J'ai suivi à la lettre les indications de Sofia. Elle ne voulait pas d'un tableau vivant de l'époque. Elle voulait une vraie fraîcheur, quelque chose de contemporain. Elle ne voulait pas présenter Marie-Antoinette de la manière dont tout le monde se l'imagine. J'ai essayé de trouver un certain équilibre au niveau des costumes, entre reconstitution historique et vision de cinéaste."
Sofia COPPOLA Réalisation
Sofia COPPOLA Scénario & Dialogues
Aurore CLEMENT Duchesse de Chartres
Kirsten DUNST Marie Antoinette
Jason SCHWARTZMAN Louis XVI
Judy DAVIS Comtesse de Noailles
Rip TORN Louis XV
Asia ARGENTO Comtesse du Barry
Rose BYRNE Duchesse de Polignac
Au sortir de l'adolescence, une jeune fille découvre un monde hostile et codifié, un univers frivole où chacun observe et juge l'autre sans aménité.
Mariée à un homme maladroit qui la délaisse, elle est rapidement lassée par les devoirs de représentation qu'on lui impose.
Elle s'évade dans l'ivresse de la fête et les plaisirs des sens pour réinventer un monde à elle.
Extraits de dialogues
Marie Antoinette : "Tout cela est ridicule"
Comtesse de Noailles : "Tout cela, Madame, c'est Versailles"
Conférence de presse : "Marie-Antoinette" - 24/05/2006
La conférence de presse de Marie-Antoinette, présenté en compétition de ce Festival de Cannes, s'est déroulée en présence de la réalisatrice Sofia Coppola, des comédiens Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Steve Coogan, Marianne Faithfull et Aurore Clément, de la créatrice des costumes Milena Canonero et du producteur Ross Katz. Morceaux choisis.
Sur le personnage de Marie-Antoinette :
Sofia Coppola : "Avant que je n'aborde ce film, Marie-Antoinette était pour moi le symbole de la décadence. J'ai fait beaucoup de recherches, j'ai lu beaucoup de livres la concernant afin de mieux comprendre son expérience humaine. Elle a eu une destinée incroyable en arrivant en France à l'âge de quatorze ans seulement, en se voyant propulsée à la Cour de Versailles. C'est un personnage très intéressant, avec de multiples facettes. Je voulais me concentrer sur la facette la plus personnelle de cette figure historique. Et je voulais faire ressortir une énergie adolescente du film, car ces personnages étaient des gamins."
Kirsten Dunst : "C'est une femme moderne pour son époque. J'ai trouvé intéressant de l'incarner, car Sofia Coppola nous donne la liberté d'être simplement ce que nous sommes, et pas juste de nous limiter à jouer un personnage. Et puis j'ai trouvé cette expérience sensuelle, viscérale. Pour interpréter Marie-Antoinette, je suis allé chercher des choses personnelles, plutôt que de me pencher sur le passé."
Kirsten Dunst sur sa connaissance de l'Histoire de France :
"Lorsqu'on grandit en France, on connaît toute l'Histoire de France. Lorsqu'on grandit aux Etats-Unis, l'Histoire de France ne représente qu'un petit paragraphe. Je ne connaissais donc pas grand-chose de Marie-Antoinette avant ce film. Juste les bases de son histoire, le fait qu'elle avait été guillotinée. Petit à petit, je me suis rendue compte qu'elle était une personne très humaine, au destin tragique. J'ai été très émue par sa destinée, notamment en lisant le livre d'Antonia Fraser dont Sofia s'est inspirée."
Steve Coogan sur les critiques contre le film :
"Lorsque vous réalisez un film aussi particulier, il est inévitable qu'il y ait des critiques. Marie-Antoinette est particulier car ce n'est pas un document historique, le film a un véritable écho contemporain, il ne se fait pas submerger par l'époque. C'est préférable d'assister à des débats enflammés, de voir des avis complètement différents sur un film, plutôt que d'avoir des avis identiques. C'est ce que j'apprécie avec le travail de Sofia Coppola, le fait que ses films ne laissent jamais indifférents et provoquent le débat."
Sofia Coppola sur la musique du film :
"J'ai souhaité mélanger musique du XVIIIème siècle et musique contemporaine. Je trouve que le mélange provoque une certaine qualité émotionelle tout au long du film. Pour la scène où Marie-Antoinette arrive au bal masqué, enthousiaste, je trouve par exemple que la musique restranscrit bien ses émotions. La musique permettait de donner une vraie modernité à l'histoire."
Jason Schwartzman sur son personnage de Louis XVI :
"Pour incarner Louis XVI, j'ai bien sûr effectué de nombreuses recherches. Il y avait tout un travail à effectuer pour se déplacer, pour monter à cheval,... Il y avait des règles bien précises à l'époque, et il était nécessaire de les assimiler afin de construire ce personnage. J'ai beaucoup aimé refaire vivre Louis XVI, montrer qu'on peut être roi et timide à la fois, que des difficultés peuvent être intemporelles. Je trouve que le film est moderne, surtout avec les émotions humaines qui s'en dégagent. Celles-ci transcendent le temps."
Marianne Faithfull sur son personnage de Marie-Thérèse d'Autriche :
"C'est un personnage aux multiples facettes, un monstre dans un certain sens. Elle n'a pas préparé Marie-Antoinette à son rôle de Reine de France. Et puis je trouve qu'elle est sans doute la personne la moins décadente du film. C'est plutôt cocasse que ce soit moi qui l'incarne !" (rires)
Aurore Clément sur le rapprochement de la Cour de Versailles avec Cannes :
"J'ai beaucoup parlé avec Sofia, et je m'aperçois qu'elle s'est beaucoup inspirée de Cannes pour la Cour de Versailles. Cannes, c'est la jet-set, comme Versailles. A Cannes, tout le monde recherche des invitations, veut aller à des soirées, veut être reconnu. Et c'est, en quelque sorte, la même chose à Versailles."
Milena Canonero sur les costumes :
"J'ai suivi à la lettre les indications de Sofia. Elle ne voulait pas d'un tableau vivant de l'époque. Elle voulait une vraie fraîcheur, quelque chose de contemporain. Elle ne voulait pas présenter Marie-Antoinette de la manière dont tout le monde se l'imagine. J'ai essayé de trouver un certain équilibre au niveau des costumes, entre reconstitution historique et vision de cinéaste."
VOLVER
Pedro ALMODOVAR Réalisation
Pedro ALMODÓVAR Scénario & Dialogues
Penélope CRUZ Raimunda
Carmen MAURA Grand mère Irène
Lola DUEÑAS Sole
Blanca PORTILLO Agustina
Yohana COBO Paula
Chus LAMPREAVE Tante Paula
Trois générations de femmes survivent au vent d'est, au feu, à la folie, à la superstition et même à la mort grâce à leur bonté, des mensonges et une vitalité sans limites.
Il y a Raimunda, mariée à un ouvrier au chômage, et sa fille adolescente ; Sole, sa soeur, qui gagne sa vie comme coiffeuse ; et leur mère, morte dans un incendie aux côtés de son mari. Le personnage de la mère apparaît d'abord à sa soeur puis à Sole ; pourtant, c'était avec Raimunda et avec sa voisine du village, Agustina, qu'il lui restait des affaires importantes à régler.
Extraits de dialogues
SOLE
A quoi faisaient allusion les femmes, Agustina ?
AGUSTINA
Bah ! Des commérages... Tu sais ce que c'est, les villages !
SOLE
Elles parlaient de ma mère...
En toute simplicité, Agustina préfère ne rien cacher là-dessus.
AGUSTINA
Il y a des gens qui disent qu'ils l'ont vue... Ils racontent qu'elle est revenue une fois morte pour s'occuper de ta tante Paula. Elle t'est pas apparue à toi ?
SOLE
Non ! Et à toi ?
AGUSTINA
A moi non plus. Mais ces choses-là arrivent. Mon grand-père est apparu à ma grand-mère. Au début elle a eu peur. Puis, elle lui a demandé ce qu'il voulait et l'esprit de mon grand-père lui a dit qu'il y avait une promesse qu'il n'avait pas accomplie. Ma grand-mère l'a accompli et tout le village l'a accompagnée au cimetière où ils ont laissé mon grand-père pour qu'il repose en paix. Et il n'est plus jamais apparu après ça. Et ça, on me l'a pas raconté, je l'ai vécu...
Conférence de presse : "Volver" - 19/05/2006
Toute l'équipe de Volver s'est réunie aujourd'hui en salle de conférence de presse pour répondre aux questions des journalistes. Etaient présents, autour de Pedro Almodóvar, les actrices Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Yohana Cobo, Blanca Portillo, ainsi que le producteur et frère du réalisateur, Agustin Almodóvar. Extraits choisis.
Pedro Almodóvar sur les thèmes de Volver :
"Ce film est mon retour le plus profond qui soit à mes origines. C'est un thème qui me touche. J'ai ressenti quelque chose de vraiment particulier, c'est une sorte de réconciliation avec mes racines. Je suis né dans La Mancha, j'ai vécu à Madrid, j'ai beaucoup voyagé, mais ce film avant tout m'a réconcilié avec ma jeunesse. (...) Dans Volver, je parle de femmes qui étaient autour de moi quand j'étais enfant. J'ai été élevé par des femmes. Les hommes étant aux champs, je ne les voyais pratiquement jamais. Volver parle de la manière dont j'ai grandi, en écoutant ces femmes. Je les entendais chanter lorsque j'allais au bord de la rivière avec ma mère ; je l'accompagnais dès mon plus jeune âge. C'est comme ça que j'ai beaucoup appris sur l'art dramatique, il y a beaucoup de rôles que j'ai écrits qui s'inspirent de mes soeurs ou de ma mère, des personnages bien ancrés dans la réalité, même s'ils appartiennent à la fiction. Ce sont des personnages qui content des histoires extraordinaires, ce qui m'a toujours beaucoup impressionné."
Penélope Cruz et Carmen Maura sur leur relation avec Pedro Almodóvar :
Penélope Cruz : "Il n'y a qu'un seul Pedro, il est ma priorité dans tous les domaines. Il écrit pour des femmes qui ont 14 ans, 35 ans, 50 ans ou 80 ans. Ce film en est un excellent exemple ; il y a énormément de personnages féminins de tous les âges dans ses films. Je suis certaine que ma carrière ne serait pas ce qu'elle est sans Pedro, ma vie ne serait pas la même sans lui. J'espère qu'à l'avenir cela continuera. Je suis très reconnaissante des possibilités que l'on me donne ailleurs, c'est intéressant, on peut beaucoup apprendre, mais j'ai travaillé aux Etats-Unis sept ans, en Europe une quinzaine d'années, et Pedro reste à part pour moi."
Carmen Maura : "Quand j'ai lu le scénario, j'ai compris que c'était un très beau cadeau, un rôle un peu difficile. Comme j'avais conscience d'avoir fait des choses très risquées avec lui dans d'autres films, j'étais assez tranquille. Lorsqu'on s'est rencontré lors de la première répétition, ce fut comme d'habitude. (...) Il me dit ce que je dois faire et je le fais. Je comprends très bien cette histoire, son esprit. Je suis très détendue quand je travaille avec lui. Je comprends bien son humour, son mélange de tragique et de comique."
Pedro Almodóvar sur le choix de ses actrices :
"Lorsque j'ai commencé à rédiger le script, je ne pensais pas à ces actrices-là. La seule personne qui a été incluse dès le début était Penélope Cruz mais je la voyais comme la jeune fille. Puis le film a évolué et je l'ai plutôt placée dans ce rôle de jeune mère. Ensuite, Carmen est arrivée sur le projet. Pour les actrices restantes, j'ai fait passer des auditions qui m'ont permis d'écarter tous les doutes que je pouvais avoir, car je ne les connaissais pas vraiment. Leurs auditions étaient exceptionnelles - c'est toujours très important dans ce genre de situation. Je me suis rendu compte que je ne pouvais faire ce film sans elles. Et bien sûr, je leur dois beaucoup maintenant. C'était pour moi un grand plaisir de travailler avec elles, elles avaient toutes envie de travailler avec moi. Je crois qu'elles sont capables de faire tout ce que je demande et de le faire avec brio sans rien remettre en cause. Je les en remercie en public."
Penélope Cruz sur la vision artistique de Pedro Almodóvar :
"Tout le monde lui a toujours dit qu'il comprenait, jusqu'à l'âme, les femmes. Dans ce cas présent, cette énergie-là, très féminine, était absolument essentielle pour le film. Il est très surprenant de voir comment il observe, comme il sait ce que l'on ressent. Il y a beaucoup de choses qu'il ne sait pas sur moi, des secrets que je lui cache. Je me rends compte cependant qu'il sait tout, même avant que je ne l'exprime. Il a un oeil particulier, il est tout à fait surprenant de constater à quel point il comprend chaque trait des femmes. Je ne comprends pas comment il peut voir autant de choses... Il a en plus le courage de nous montrer ce qu'il voit, et sans juger d'ailleurs. Il est incroyable."
Blanca Portillo sur les thèmes abordés par le film :
"Je ne crois pas que ce soit un film féministe, c'est un film féminin qui s'adresse à toutes les femmes, qui présente les sentiments les plus purs et qui ose montrer les femmes faisant face à la vie, des femmes qui veulent survivre avec ténacité. Je crois qu'il a mis beaucoup de courage dans ces personnages, c'est quelque chose de merveilleux pour une actrice d'avoir quelqu'un qui puisse écrire ce genre d'histoire."
Pedro Almodóvar sur le caractère fictionnel de son film :
Lorsque je dis que je parle de moi dans mes films, cela ne signifie pas que mes films parlent de mon passé. Je sers simplement de référence lorsque j'essaie de décrire mes personnages. Mes films reposent tous sur une fiction, mais je fais en sorte qu'elle soit crédible. Donc la fiction repose sur des personnages réels et des situations réelles, par exemple ma propre mémoire. Je me souviens d'histoires contées quand j'étais enfant. Mais dans ce film, peu importe que l'on parle du passé, du présent ou de l'avenir. Pour moi, les films, d'une façon ou d'une autre, sont tout simplement des indicateurs de ce qui pourrait se produire à l'avenir."
Pedro Almodóvar sur ses ambitions pour le film :
"Lorsque je pars sur un nouveau film, c'est une nouvelle aventure : je ne sais pas où il va m'amener, c'est impossible de prévoir des choses avant de commencer à tourner. Ce que je peux vous dire en revanche, c'est que lorsque vous écrivez un script, vous n'avez plus un seul neurone de libre pour penser à des prix futurs ou à des Palmes d'Or, vous ne pensez pas au-delà du film. Quand j'écris, je fais en sorte que chaque histoire soit une passion à mes yeux. Tant que cette passion m'animera, je continuerai à faire des films. C'est elle qui me pousse, pas l'ambition d'avoir des prix. Ils sont les bienvenus mais ce n'est pas ma première motivation."
Pedro ALMODOVAR Réalisation
Pedro ALMODÓVAR Scénario & Dialogues
Penélope CRUZ Raimunda
Carmen MAURA Grand mère Irène
Lola DUEÑAS Sole
Blanca PORTILLO Agustina
Yohana COBO Paula
Chus LAMPREAVE Tante Paula
Trois générations de femmes survivent au vent d'est, au feu, à la folie, à la superstition et même à la mort grâce à leur bonté, des mensonges et une vitalité sans limites.
Il y a Raimunda, mariée à un ouvrier au chômage, et sa fille adolescente ; Sole, sa soeur, qui gagne sa vie comme coiffeuse ; et leur mère, morte dans un incendie aux côtés de son mari. Le personnage de la mère apparaît d'abord à sa soeur puis à Sole ; pourtant, c'était avec Raimunda et avec sa voisine du village, Agustina, qu'il lui restait des affaires importantes à régler.
Extraits de dialogues
SOLE
A quoi faisaient allusion les femmes, Agustina ?
AGUSTINA
Bah ! Des commérages... Tu sais ce que c'est, les villages !
SOLE
Elles parlaient de ma mère...
En toute simplicité, Agustina préfère ne rien cacher là-dessus.
AGUSTINA
Il y a des gens qui disent qu'ils l'ont vue... Ils racontent qu'elle est revenue une fois morte pour s'occuper de ta tante Paula. Elle t'est pas apparue à toi ?
SOLE
Non ! Et à toi ?
AGUSTINA
A moi non plus. Mais ces choses-là arrivent. Mon grand-père est apparu à ma grand-mère. Au début elle a eu peur. Puis, elle lui a demandé ce qu'il voulait et l'esprit de mon grand-père lui a dit qu'il y avait une promesse qu'il n'avait pas accomplie. Ma grand-mère l'a accompli et tout le village l'a accompagnée au cimetière où ils ont laissé mon grand-père pour qu'il repose en paix. Et il n'est plus jamais apparu après ça. Et ça, on me l'a pas raconté, je l'ai vécu...
Conférence de presse : "Volver" - 19/05/2006
Toute l'équipe de Volver s'est réunie aujourd'hui en salle de conférence de presse pour répondre aux questions des journalistes. Etaient présents, autour de Pedro Almodóvar, les actrices Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Yohana Cobo, Blanca Portillo, ainsi que le producteur et frère du réalisateur, Agustin Almodóvar. Extraits choisis.
Pedro Almodóvar sur les thèmes de Volver :
"Ce film est mon retour le plus profond qui soit à mes origines. C'est un thème qui me touche. J'ai ressenti quelque chose de vraiment particulier, c'est une sorte de réconciliation avec mes racines. Je suis né dans La Mancha, j'ai vécu à Madrid, j'ai beaucoup voyagé, mais ce film avant tout m'a réconcilié avec ma jeunesse. (...) Dans Volver, je parle de femmes qui étaient autour de moi quand j'étais enfant. J'ai été élevé par des femmes. Les hommes étant aux champs, je ne les voyais pratiquement jamais. Volver parle de la manière dont j'ai grandi, en écoutant ces femmes. Je les entendais chanter lorsque j'allais au bord de la rivière avec ma mère ; je l'accompagnais dès mon plus jeune âge. C'est comme ça que j'ai beaucoup appris sur l'art dramatique, il y a beaucoup de rôles que j'ai écrits qui s'inspirent de mes soeurs ou de ma mère, des personnages bien ancrés dans la réalité, même s'ils appartiennent à la fiction. Ce sont des personnages qui content des histoires extraordinaires, ce qui m'a toujours beaucoup impressionné."
Penélope Cruz et Carmen Maura sur leur relation avec Pedro Almodóvar :
Penélope Cruz : "Il n'y a qu'un seul Pedro, il est ma priorité dans tous les domaines. Il écrit pour des femmes qui ont 14 ans, 35 ans, 50 ans ou 80 ans. Ce film en est un excellent exemple ; il y a énormément de personnages féminins de tous les âges dans ses films. Je suis certaine que ma carrière ne serait pas ce qu'elle est sans Pedro, ma vie ne serait pas la même sans lui. J'espère qu'à l'avenir cela continuera. Je suis très reconnaissante des possibilités que l'on me donne ailleurs, c'est intéressant, on peut beaucoup apprendre, mais j'ai travaillé aux Etats-Unis sept ans, en Europe une quinzaine d'années, et Pedro reste à part pour moi."
Carmen Maura : "Quand j'ai lu le scénario, j'ai compris que c'était un très beau cadeau, un rôle un peu difficile. Comme j'avais conscience d'avoir fait des choses très risquées avec lui dans d'autres films, j'étais assez tranquille. Lorsqu'on s'est rencontré lors de la première répétition, ce fut comme d'habitude. (...) Il me dit ce que je dois faire et je le fais. Je comprends très bien cette histoire, son esprit. Je suis très détendue quand je travaille avec lui. Je comprends bien son humour, son mélange de tragique et de comique."
Pedro Almodóvar sur le choix de ses actrices :
"Lorsque j'ai commencé à rédiger le script, je ne pensais pas à ces actrices-là. La seule personne qui a été incluse dès le début était Penélope Cruz mais je la voyais comme la jeune fille. Puis le film a évolué et je l'ai plutôt placée dans ce rôle de jeune mère. Ensuite, Carmen est arrivée sur le projet. Pour les actrices restantes, j'ai fait passer des auditions qui m'ont permis d'écarter tous les doutes que je pouvais avoir, car je ne les connaissais pas vraiment. Leurs auditions étaient exceptionnelles - c'est toujours très important dans ce genre de situation. Je me suis rendu compte que je ne pouvais faire ce film sans elles. Et bien sûr, je leur dois beaucoup maintenant. C'était pour moi un grand plaisir de travailler avec elles, elles avaient toutes envie de travailler avec moi. Je crois qu'elles sont capables de faire tout ce que je demande et de le faire avec brio sans rien remettre en cause. Je les en remercie en public."
Penélope Cruz sur la vision artistique de Pedro Almodóvar :
"Tout le monde lui a toujours dit qu'il comprenait, jusqu'à l'âme, les femmes. Dans ce cas présent, cette énergie-là, très féminine, était absolument essentielle pour le film. Il est très surprenant de voir comment il observe, comme il sait ce que l'on ressent. Il y a beaucoup de choses qu'il ne sait pas sur moi, des secrets que je lui cache. Je me rends compte cependant qu'il sait tout, même avant que je ne l'exprime. Il a un oeil particulier, il est tout à fait surprenant de constater à quel point il comprend chaque trait des femmes. Je ne comprends pas comment il peut voir autant de choses... Il a en plus le courage de nous montrer ce qu'il voit, et sans juger d'ailleurs. Il est incroyable."
Blanca Portillo sur les thèmes abordés par le film :
"Je ne crois pas que ce soit un film féministe, c'est un film féminin qui s'adresse à toutes les femmes, qui présente les sentiments les plus purs et qui ose montrer les femmes faisant face à la vie, des femmes qui veulent survivre avec ténacité. Je crois qu'il a mis beaucoup de courage dans ces personnages, c'est quelque chose de merveilleux pour une actrice d'avoir quelqu'un qui puisse écrire ce genre d'histoire."
Pedro Almodóvar sur le caractère fictionnel de son film :
Lorsque je dis que je parle de moi dans mes films, cela ne signifie pas que mes films parlent de mon passé. Je sers simplement de référence lorsque j'essaie de décrire mes personnages. Mes films reposent tous sur une fiction, mais je fais en sorte qu'elle soit crédible. Donc la fiction repose sur des personnages réels et des situations réelles, par exemple ma propre mémoire. Je me souviens d'histoires contées quand j'étais enfant. Mais dans ce film, peu importe que l'on parle du passé, du présent ou de l'avenir. Pour moi, les films, d'une façon ou d'une autre, sont tout simplement des indicateurs de ce qui pourrait se produire à l'avenir."
Pedro Almodóvar sur ses ambitions pour le film :
"Lorsque je pars sur un nouveau film, c'est une nouvelle aventure : je ne sais pas où il va m'amener, c'est impossible de prévoir des choses avant de commencer à tourner. Ce que je peux vous dire en revanche, c'est que lorsque vous écrivez un script, vous n'avez plus un seul neurone de libre pour penser à des prix futurs ou à des Palmes d'Or, vous ne pensez pas au-delà du film. Quand j'écris, je fais en sorte que chaque histoire soit une passion à mes yeux. Tant que cette passion m'animera, je continuerai à faire des films. C'est elle qui me pousse, pas l'ambition d'avoir des prix. Ils sont les bienvenus mais ce n'est pas ma première motivation."
Docteur Folamour
Docteur Folamour (Dr. Strangelove) est un film réalisé par Stanley Kubrick, sorti au cinéma en 1964.
Docteur Folamour est adapté du roman de Peter George, Red Alert publié en 1958.
Réalisation : Stanley Kubrick
Scénario : Terry Southern, Peter George et Stanley Kubrick, d'après le roman de Peter George, Red Alert
Musique : Laurie Johnson
Avec
Peter Sellers : Colonel Lionel Mandrake, Président Merkin Muffley et Docteur Folamour
George C. Scott : Général « Buck » Turgidson
Sterling Hayden : Général Jack D. Ripper
Keenan Wynn : Colonel « Bat » Guano
Slim Pickens : Commandant T. J. « King » Kong
Peter Bull : Ambassadeur de Sadesky
Tracy Reed : Miss Scott
James Earl Jones : Lieutenant Lothar Zogg
Jack Creley : Mr. Staines
L'histoire
L'histoire se déroule en pleine période de la guerre froide. Le général américain Jack D. Ripper (Sterling Hayden), frappé de folie paranoïaque, décide d'envoyer ses B-52 frapper l'URSS. Le Président des États-Unis (Peter Sellers), décide une réunion d'urgence dans la salle souterraine de commandement stratégique. Un débat s'engage alors entre les tenants des différentes options politiques et militaires qui s'offrent au Président. Il utilise même le téléphone rouge. La seule possibilité est de fournir aux soviétiques les positions des avions, afin qu'ils les détruisent. Tous sont abattus, sauf un. L'ambassadeur de l'URSS, convoqué afin de témoigner de la bonne foi du président américain, mentionne l'existence d'un système secret de défense qui déclencherait l'holocauste nucléaire en cas d'attaque de l'URSS.
On consulte alors le Dr Folamour, transfuge du régime nazi, nostalgique et psychopathe. Pendant ce temps, l'équipage du B-52 mènera sa mission vers son terme, certain du bien-fondé de l'ordre qu'il a reçu, malgré toutes les difficultés qu'il ne manquera pas de rencontrer.
Infos
Stanley Kubrick nourrit avec ce film un propos qui lui semble cher : la dénonciation de l'incompétence des politiciens de tout bord, l'absurdité criminelle des projets et des réalisations des complexe militaro-industriel au pouvoir à l'époque de la confrontation des Grandes Puissances. Le recyclage par les États-Unis (et l'URSS et la France) des scientifiques ayant œuvré (et souvent adhéré) au régime nazi n'est pas une invention (voir Wernher von Braun, par exemple), et Kubrick nous le rappelle également, avec une outrance comique.
Le titre original en anglais est à lui seul d'un cynisme qui fait frémir.
Lors de sa sortie en salles, la tension entre USA et URSS avait baissé, rendant le film d'une actualité moins brûlante. Ce film est à rapprocher de "Point limite " de Sidney Lumet, filmé la même année, et que Kubrick a fait racheter par Columbia Pictures afin de ne l'exploiter qu'en 1964, après la sortie de Dr Folamour. En raison de l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy, le jour où le film devait normalement être projeté pour la première fois, la production décida de repousser la date de sortie au début de l'année suivante.
Docteur Folamour (Dr. Strangelove) est un film réalisé par Stanley Kubrick, sorti au cinéma en 1964.
Docteur Folamour est adapté du roman de Peter George, Red Alert publié en 1958.
Réalisation : Stanley Kubrick
Scénario : Terry Southern, Peter George et Stanley Kubrick, d'après le roman de Peter George, Red Alert
Musique : Laurie Johnson
Avec
Peter Sellers : Colonel Lionel Mandrake, Président Merkin Muffley et Docteur Folamour
George C. Scott : Général « Buck » Turgidson
Sterling Hayden : Général Jack D. Ripper
Keenan Wynn : Colonel « Bat » Guano
Slim Pickens : Commandant T. J. « King » Kong
Peter Bull : Ambassadeur de Sadesky
Tracy Reed : Miss Scott
James Earl Jones : Lieutenant Lothar Zogg
Jack Creley : Mr. Staines
L'histoire
L'histoire se déroule en pleine période de la guerre froide. Le général américain Jack D. Ripper (Sterling Hayden), frappé de folie paranoïaque, décide d'envoyer ses B-52 frapper l'URSS. Le Président des États-Unis (Peter Sellers), décide une réunion d'urgence dans la salle souterraine de commandement stratégique. Un débat s'engage alors entre les tenants des différentes options politiques et militaires qui s'offrent au Président. Il utilise même le téléphone rouge. La seule possibilité est de fournir aux soviétiques les positions des avions, afin qu'ils les détruisent. Tous sont abattus, sauf un. L'ambassadeur de l'URSS, convoqué afin de témoigner de la bonne foi du président américain, mentionne l'existence d'un système secret de défense qui déclencherait l'holocauste nucléaire en cas d'attaque de l'URSS.
On consulte alors le Dr Folamour, transfuge du régime nazi, nostalgique et psychopathe. Pendant ce temps, l'équipage du B-52 mènera sa mission vers son terme, certain du bien-fondé de l'ordre qu'il a reçu, malgré toutes les difficultés qu'il ne manquera pas de rencontrer.
Infos
Stanley Kubrick nourrit avec ce film un propos qui lui semble cher : la dénonciation de l'incompétence des politiciens de tout bord, l'absurdité criminelle des projets et des réalisations des complexe militaro-industriel au pouvoir à l'époque de la confrontation des Grandes Puissances. Le recyclage par les États-Unis (et l'URSS et la France) des scientifiques ayant œuvré (et souvent adhéré) au régime nazi n'est pas une invention (voir Wernher von Braun, par exemple), et Kubrick nous le rappelle également, avec une outrance comique.
Le titre original en anglais est à lui seul d'un cynisme qui fait frémir.
Lors de sa sortie en salles, la tension entre USA et URSS avait baissé, rendant le film d'une actualité moins brûlante. Ce film est à rapprocher de "Point limite " de Sidney Lumet, filmé la même année, et que Kubrick a fait racheter par Columbia Pictures afin de ne l'exploiter qu'en 1964, après la sortie de Dr Folamour. En raison de l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy, le jour où le film devait normalement être projeté pour la première fois, la production décida de repousser la date de sortie au début de l'année suivante.
Silent Hill est l'adaptation du jeu-vidéo homonyme de Konami conçu par le japonais Akira Yamaoka. Sorti en 1999 sur la console Playstation
De plus en plus souvent, la petite Sharon rêve d'une ville abandonnée Silent Hill. Sa mère, Rose, décidée à comprendre l'étrange mal dont souffre son enfant, décide de l'accompagner sur place. Alors qu'elles pénètrent dans cet univers lugubre, Sharon disparaît. Rose se lance à sa poursuite, mais se rend vite compte que ce lieu étrange ne ressemble à rien de normal. Noyée dans le brouillard, peuplée d'étranges créatures, hantée par des ténèbres vivantes qui dévorent littéralement tout ce qu'elles touchent, cette dimension va peu à peu livrer ses terrifiants secrets...
Avec l'aide de Cybil, de la police locale, Rose se jette dans une quête éperdue pour arracher sa fille au monde de Silent Hill. D'indices en épreuves, elle va découvrir tout ce que Sharon risque et ce qu'elle représente dans une malédiction qui dépasse tout...
Réalisé par Christophe Gans
Avec Radha Mitchell, Sean Bean, Laurie Holden
De plus en plus souvent, la petite Sharon rêve d'une ville abandonnée Silent Hill. Sa mère, Rose, décidée à comprendre l'étrange mal dont souffre son enfant, décide de l'accompagner sur place. Alors qu'elles pénètrent dans cet univers lugubre, Sharon disparaît. Rose se lance à sa poursuite, mais se rend vite compte que ce lieu étrange ne ressemble à rien de normal. Noyée dans le brouillard, peuplée d'étranges créatures, hantée par des ténèbres vivantes qui dévorent littéralement tout ce qu'elles touchent, cette dimension va peu à peu livrer ses terrifiants secrets...
Avec l'aide de Cybil, de la police locale, Rose se jette dans une quête éperdue pour arracher sa fille au monde de Silent Hill. D'indices en épreuves, elle va découvrir tout ce que Sharon risque et ce qu'elle représente dans une malédiction qui dépasse tout...
Réalisé par Christophe Gans
Avec Radha Mitchell, Sean Bean, Laurie Holden
Onze ans de ma vie tu as partagé
Et maintenant tu vas t'en aller
Triste nouvelle que je viens d'apprendre
Depuis je n'ai fait que pleurer
Jamais je ne pourrai t'oublier.
Tant de bonheur partagé
et tant de tristesse maintenant
Mais les anges prendront soin de toi
je voudrais te prendre dans mes bras,
Une dernière fois,
Pour que tu voies que je tiens à toi,
Mais je sais que tu le sais
Alors je t'offre ces quelques lignes, elles sont pour toi
Emportes-les dans ce pays où l'on dit que la vie est belle
Tu me manques deja mon petit snoupy à moi
Et maintenant tu vas t'en aller
Triste nouvelle que je viens d'apprendre
Depuis je n'ai fait que pleurer
Jamais je ne pourrai t'oublier.
Tant de bonheur partagé
et tant de tristesse maintenant
Mais les anges prendront soin de toi
je voudrais te prendre dans mes bras,
Une dernière fois,
Pour que tu voies que je tiens à toi,
Mais je sais que tu le sais
Alors je t'offre ces quelques lignes, elles sont pour toi
Emportes-les dans ce pays où l'on dit que la vie est belle
Tu me manques deja mon petit snoupy à moi
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