Battle Royale est un film japonais (tiré d'un livre de : Takemi Kôshun) réalisé par Kinji Fukasaku, sorti le 16 décembre 2000
Dans un Japon futuriste, les adultes redoutent les adolescents japonais, trop enclins à la violence. Pour se protéger, la loi Battle Royale est votée. Le principe de ce "jeu " est très simple : une classe de troisième est envoyée dans un lieu isolé (une île en l'occurrence), et les élèves doivent s'entretuer jusqu'à ce qu'il n'y ait plus qu'un seul survivant.
Règlement
Les élèves sont emmenés de force sur une île déserte où se déroulera l'épreuve.
Chaque élève porte autour du cou un collier électronique ayant plusieurs utilités pour les organisateurs :
l'espionner grâce à un micro incorporé.
surveiller son pouls pour savoir s'il vit encore.
faire exploser ce collier avec son porteur si celui-ci tente de l'enlever.
enfin ces colliers ne craignent pas l'eau.
Au début du jeu, chaque élève reçoit un paquetage contenant des vivres, une carte de l'île, une boussole, une lampe de poche et une arme aléatoire pour se battre.
Toutes les 6 heures, le professeur en charge de la classe s'adressera aux élèves survivants via des haut-parleurs disposés un peu partout sur l'île pour leur donner le compte-rendu des morts et des heures durant lesquelles certaines zones seront à éviter, ce qui a pour but de resserrer le terrain de jeu et intensifier le jeu, sous peine de voir leur collier exploser.
Le jeu se déroule sur 3 jours et si à l'issue de ces 3 jours il y a plus d'un survivant, le règlement stipule que leurs colliers à tous exploseront en même temps.
Réalisation : Kinji Fukasaku
Scénario : Kenta Fukasaku, d'après un roman éponyme de Koushun Takami
Production : Akio Kamatani, Tetsu Kayama, Masumi Okada et Masao Sato
Musique : Masamichi Amano et Jean-Sébastien Bach
Takeshi Kitano : Le professeur Kitano
Tatsuya Fujiwara : Shuya
Aki Maeda : Noriko
Taro Yamamoto : Kawada
Masanobu Ando : Kiriyama
Kou Shibasaki : Mitsuko
Chiaki Kuriyama : Chigusa
Yukihiro Kotani : Nobu
Takashi Tsukamoto : Mimura
♥Il était une fois le cinéma de Christ-Argento-Fulci-Frizzi ♥Amoureuse du cinéma et de musique♥
Description :
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♥ Christ-Argento-Fulci-Frizzi
Je m'appelle Christin@ ♥
♥Cinéphile depuis mon enfance, le Cinéma m'émerveille les yeux avec Fulci, Argento, Soavi, Tarantino, Murnau, Truffaut, Keaton, Chaplin, Burton, Hitchcock, Allen, S.king, Almodovar, kitano, Lynch, Romero,Kubrick, Scorsese, Coppola, Kar-Wai, Cocteau, Welles, Capra, Carpenter, Shyamalan,Lynch,.... ♥
♥Ainsi que les oreilles avec Fabio Frizzi,Ennio Morricone,Danny Elfman,Claudio Simonetti,Goblin,John Murphy,etc.. ♥
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♥"Lolita, lumière de ma vie, feu de mes reins. Mon péché, mon âme. Lo-lii-ta : le bout de la langue fait trois petits pas le long du palais pour taper, à trois, contre les dents. Lo. Lii. Ta.♥
♥Le matin, elle était Lo, simplement Lo, avec son mère quarante-six et son unique chaussette. Elle était Lola en pantalon. Elle était Dolly à l'école. Elle était Dolores sur les pointillés. Mais dans mes bras, elle était toujours Lolita." ♥
♥Lolita, Vladimir Nabokov. ♥
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Son profil
cristaline0543 ans
charleroi
Belgique
charleroi
Belgique
Biographie
Fritz Lang naît à Vienne en 1890. Issu d'une vieille famille bourgeoise, il se destine à la peinture tout en étudiant l'architecture, profession de son père, sur l'ordre de celui-ci. Après une fugue qui le mène jusqu'en Extrême-Orient, il rentre en Europe, découvre le cinéma à Bruges (1909) et s'installe à Paris, d'où la guerre le force à partir (1914).
Blessé sur le front italien, il termine la guerre dans un hôpital viennois, et écrit ses premiers scénarios à l'usage de Joe May qui ne s'y intéresse guère, puis d'Otto Rippert (1919) : il s'agit de films d'aventures historiques ou exotiques, parfois publiés en même temps en feuilleton par Lang. Parallèlement, il fait ses débuts de réalisateur sous la férule d'Erich Pommer.
Son premier film important sera Les Araignées, dont, malgré le succès, deux épisodes seulement (sur quatre prévus) sont réalisés. En 1922, la réussite des Trois Lumières assure son indépendance. La même année, pendant le tournage de Mabuse le Joueur, il perd accidentellement l'½il droit.
Il écrit ses films en collaboration avec Thea von Harbou, sa seconde épouse (la première s'est suicidée) jusqu'en 1934. Le succès de ses films impressionne les nazis, qui, sensibles au « germanisme » affiché des Niebelungen, songent à lui comme à un dictateur du cinéma allemand.
Convoqué par Goebbels en 1933, Lang s'entend proposer une collaboration flatteuse alors même que son dernier film Le Testament du docteur Mabuse venait d'être interdit. Le soir même, il prend le train pour Paris : Thea von Harbou, dont il était effectivement séparé depuis quelque temps, rejoint, elle, le parti nazi.
En France, Lang dirige un film, Liliom (1934), et gagne Hollywood. Ses premiers projets n'aboutissent pas. Sous contrat à la MGM, il reste quelque temps sans travailler avant de tourner Furie, qui l'impose en Amérique. Les années suivantes, il travaille pour différents studios (notamment la Fox).
Conformément aux pratiques américaines, il ne cosigne pas les scénarios, ne coproduit que rarement les films, n'a pas droit au montage final. Mais, dans la pratique, il travaille aux scénarios et s'arrange le plus souvent pour rendre impossibles des coupes trop mutilantes. Il rencontre néanmoins des difficultés malgré la réussite de Furie (1936) et de J'ai le droit de vivre (1937). Au cours des années 40 et 50, il réalisé certaines ½uvres majeures comme Chasse à l'homme (1941), Les bourreaux meurent aussi (1943), La Femme au portrait (1944), La Rue rouge (1945), L'Ange des Maudits (1952) et Règlement de comptes (1953). Ses derniers films américains témoignent d'une maîtrise croissante mais vont à contre-courant des tendances nouvelles.
En 1956, Lang reçoit des propositions allemandes et il rentre en Europe. Il dirige en Inde une coproduction inspirée d'un de ses scénarios de jeunesse et se bat contre les studios de la Bavaria pour maintenir ses conceptions. En 1960, il tourne sons dernier film en Allemagne : une « suite » de Mabuse.
Alors que depuis longtemps la critique le considère comme « fini », de jeunes cinéphiles découvrent sa période américaine et l'acclament. Jean-Luc Godard lui fait jouer son propre rôle dans Le Mépris, et il est question qu'il tourne en France.
Lang regagne Hollywood, apparaît dans divers festivals et se consacre à la supervision de sa biographie par Lotte Eisner, ouvrage qu'il ne verra pas paraître. Il meurt le 2 août 1976 à Beverly Hills, à l'âge de 85 ans.
La période américaine (1936 - 1956)
La carrière américaine de Lang est plus disparate mais tout aussi riche que sa période allemande. Aussi germanique qu'il a été en Allemagne, il est américain aux États-Unis, et cette apparente rupture n'est en réalité que le fruit d'une évolution intérieure. Allant d'un studio à un autre, Lang devient plus éclectique, plus universel que jamais.
Du cinéma américain, Fritz Lang emprunte les deux genres les plus dramatiques : le western et le film policier, y retrouvant ses vieux thèmes de la vengeance, de la corruption, de la soif de puissance, et de la justice. Durant sa carrière américaine, il réalise des films rares, flamboyants chef-d'½uvres qui sont à la fois un temps de réflexion et la preuve éclatante d'une perfection stylistique.
« La caractéristique de tous mes films est le combat contre le destin. Ce n'est pas le destin qui est important, mais le combat. » Fritz Lang
Filmographie américaine :
Furie, Fury - 1936
J'ai le droit de vivre, You only live once - 1937
Casier judiciaire, You and me - 1938
Le retour de Frank James, The return of Frank James - 1940
Les pionniers de la Western Union, Western Union - 1941
Chasse à l'homme, Man hunt - 1941
Les bourreaux meurent aussi, Hangmen also die - 1943
Espions sur la Tamise-Le Ministère de la peur, Ministry of fear - 1944
La femme au portrait, The woman in the window - 1945
La rue rouge, Scarlet street - 1945
Cape et poignard, Cloak and dagger - 1946
Le secrêt derrière la porte, The secret beyond the door - 1948
House by the river (Film inédit en France) - 1950
Guerillas, American guerilla in the Philippines - 1950
L'ange des maudits, Rancho notorious - 1952
Le Démon s'éveille la nuit, Clash by night - 1952
La femme au gardenia, The blue gardenia - 1953
Règlements de comptes, The big heat - 1953
Désirs humains, Human desire - 1954
Les Contrebandiers de Moonfleet, Moonfleet - 1955
La cinquième victime, While the city sleeps - 1956
L'invraisemblable Vérité, Beyond a reasonable doubt - 1956
Fritz Lang naît à Vienne en 1890. Issu d'une vieille famille bourgeoise, il se destine à la peinture tout en étudiant l'architecture, profession de son père, sur l'ordre de celui-ci. Après une fugue qui le mène jusqu'en Extrême-Orient, il rentre en Europe, découvre le cinéma à Bruges (1909) et s'installe à Paris, d'où la guerre le force à partir (1914).
Blessé sur le front italien, il termine la guerre dans un hôpital viennois, et écrit ses premiers scénarios à l'usage de Joe May qui ne s'y intéresse guère, puis d'Otto Rippert (1919) : il s'agit de films d'aventures historiques ou exotiques, parfois publiés en même temps en feuilleton par Lang. Parallèlement, il fait ses débuts de réalisateur sous la férule d'Erich Pommer.
Son premier film important sera Les Araignées, dont, malgré le succès, deux épisodes seulement (sur quatre prévus) sont réalisés. En 1922, la réussite des Trois Lumières assure son indépendance. La même année, pendant le tournage de Mabuse le Joueur, il perd accidentellement l'½il droit.
Il écrit ses films en collaboration avec Thea von Harbou, sa seconde épouse (la première s'est suicidée) jusqu'en 1934. Le succès de ses films impressionne les nazis, qui, sensibles au « germanisme » affiché des Niebelungen, songent à lui comme à un dictateur du cinéma allemand.
Convoqué par Goebbels en 1933, Lang s'entend proposer une collaboration flatteuse alors même que son dernier film Le Testament du docteur Mabuse venait d'être interdit. Le soir même, il prend le train pour Paris : Thea von Harbou, dont il était effectivement séparé depuis quelque temps, rejoint, elle, le parti nazi.
En France, Lang dirige un film, Liliom (1934), et gagne Hollywood. Ses premiers projets n'aboutissent pas. Sous contrat à la MGM, il reste quelque temps sans travailler avant de tourner Furie, qui l'impose en Amérique. Les années suivantes, il travaille pour différents studios (notamment la Fox).
Conformément aux pratiques américaines, il ne cosigne pas les scénarios, ne coproduit que rarement les films, n'a pas droit au montage final. Mais, dans la pratique, il travaille aux scénarios et s'arrange le plus souvent pour rendre impossibles des coupes trop mutilantes. Il rencontre néanmoins des difficultés malgré la réussite de Furie (1936) et de J'ai le droit de vivre (1937). Au cours des années 40 et 50, il réalisé certaines ½uvres majeures comme Chasse à l'homme (1941), Les bourreaux meurent aussi (1943), La Femme au portrait (1944), La Rue rouge (1945), L'Ange des Maudits (1952) et Règlement de comptes (1953). Ses derniers films américains témoignent d'une maîtrise croissante mais vont à contre-courant des tendances nouvelles.
En 1956, Lang reçoit des propositions allemandes et il rentre en Europe. Il dirige en Inde une coproduction inspirée d'un de ses scénarios de jeunesse et se bat contre les studios de la Bavaria pour maintenir ses conceptions. En 1960, il tourne sons dernier film en Allemagne : une « suite » de Mabuse.
Alors que depuis longtemps la critique le considère comme « fini », de jeunes cinéphiles découvrent sa période américaine et l'acclament. Jean-Luc Godard lui fait jouer son propre rôle dans Le Mépris, et il est question qu'il tourne en France.
Lang regagne Hollywood, apparaît dans divers festivals et se consacre à la supervision de sa biographie par Lotte Eisner, ouvrage qu'il ne verra pas paraître. Il meurt le 2 août 1976 à Beverly Hills, à l'âge de 85 ans.
La période américaine (1936 - 1956)
La carrière américaine de Lang est plus disparate mais tout aussi riche que sa période allemande. Aussi germanique qu'il a été en Allemagne, il est américain aux États-Unis, et cette apparente rupture n'est en réalité que le fruit d'une évolution intérieure. Allant d'un studio à un autre, Lang devient plus éclectique, plus universel que jamais.
Du cinéma américain, Fritz Lang emprunte les deux genres les plus dramatiques : le western et le film policier, y retrouvant ses vieux thèmes de la vengeance, de la corruption, de la soif de puissance, et de la justice. Durant sa carrière américaine, il réalise des films rares, flamboyants chef-d'½uvres qui sont à la fois un temps de réflexion et la preuve éclatante d'une perfection stylistique.
« La caractéristique de tous mes films est le combat contre le destin. Ce n'est pas le destin qui est important, mais le combat. » Fritz Lang
Filmographie américaine :
Furie, Fury - 1936
J'ai le droit de vivre, You only live once - 1937
Casier judiciaire, You and me - 1938
Le retour de Frank James, The return of Frank James - 1940
Les pionniers de la Western Union, Western Union - 1941
Chasse à l'homme, Man hunt - 1941
Les bourreaux meurent aussi, Hangmen also die - 1943
Espions sur la Tamise-Le Ministère de la peur, Ministry of fear - 1944
La femme au portrait, The woman in the window - 1945
La rue rouge, Scarlet street - 1945
Cape et poignard, Cloak and dagger - 1946
Le secrêt derrière la porte, The secret beyond the door - 1948
House by the river (Film inédit en France) - 1950
Guerillas, American guerilla in the Philippines - 1950
L'ange des maudits, Rancho notorious - 1952
Le Démon s'éveille la nuit, Clash by night - 1952
La femme au gardenia, The blue gardenia - 1953
Règlements de comptes, The big heat - 1953
Désirs humains, Human desire - 1954
Les Contrebandiers de Moonfleet, Moonfleet - 1955
La cinquième victime, While the city sleeps - 1956
L'invraisemblable Vérité, Beyond a reasonable doubt - 1956
Date de sortie : Mars 1971
Réalisé par Arthur Hiller
Avec Ryan O'Neal, Ali McGraw
Un homme issu d'une famille aisée, étudiant en droit à Harvard rencontre une jeune fille à la bibliothèque où elle travaille pour payer ses études. Malgré le fait qu'ils appartiennent à des classes sociales différentes leur amour devient plus fort que tout mais sera soumis aux épreuves de la vie...
L'inspiration de l'auteur...
L'auteur du livre Erich Segal dit s'être inspiré de deux figures célèbres pour son personnage d'Oliver : Al Gore et Tommy Lee Jones.
Le rôle principal masculin
Si Ali Mac Graw fut rapidement choisie pour incarner le rôle principal féminin (puique c'est son mari Robert Evans, patron du studio qui détenait les droits du livre), plusieurs acteurs déclinèrent l'offre du rôle d'Oliver : Michael York, Jon Voight, Beau Bridges, Michael Sarrazin, ainsi que Michael Douglas.
Resumé du film:
Oliver Barrett, IVe du nom, descend d'une grande lignée de diplômés de Harvard riches et éminents. Sans doute pour sortir du moule de l'« Ivy League » (c'est à dire des plus grandes universités de l'Est des États-Unis), il éprouve le coup de foudre pour Jennifer Cavalleri, une Américaine d'origine italienne étudiante à Radcliffe. Dès la fin de leur année universitaire, ils décident de se marier en dépit de l'avis du père d'Oliver, qui se brouille avec son fils.
Privé de l'aide financière de son père, le jeune couple lutte pour pouvoir payer les études d'Oliver en école d'avocats. Finalement, ce dernier sort troisième de sa promotion, et obtient un travail très bien payé dans une firme d'avocats à New York, tandis que Jennifer enseigne la musique dans une école privée.
Au vu de leurs revenus maintenant élevés, mari et femme, tous deux 24 ans, décident de faire un enfant. Mais le succès ne vient pas, et après un certain nombre d'essais, ils consultent un spécialiste, qui, après de nombreux tests sanguins, informe Oliver que Jennifer a une leucémie et est condamnée à très court terme.
Oliver essaie de se comporter « normalement » selon les conseils du docteur, sans en parler à Jennifer, mais celle-ci l'apprend toutefois par un autre médecin. Jennifer décide d'aller à l'hôpital pour commencer une thérapie du cancer, et Oliver commence à manquer d'argent pour payer l'hôpital. Désespéré, il va demander l'aide financière de son père, arguant d'une bêtise avec une fille.
De son lit d'hôpital, Jennifer arrange ses funérailles avec son père, puis demande à Oliver de ne pas s'en vouloir, avant de lui demander de la serrer dans ses bras avant de mourir.
Le film a été sans doute le plus grand succès de l'année 1971.
Une suite fut tournée en 1978 : Oliver's Story
Citation ds le film, que je dis tjrs
Phrase connue : « L'amour, c'est n'avoir jamais à dire qu'on est désolé » (« Love means never having to say you're sorry »)
MA CRITIQUE:
Véritable chef d'oeuvre de romantisme,mais surtout "Love Story" c'est une musique sublimme et emblématique, une histoire triste mais tellement belle. Beaucoup d'esprit. Les clichés américains du mélodramatique commercial proposés aujourd'hui chez Hollywood n'existent pas dans ce film à la très grande sensibilité.
Réalisé par Arthur Hiller
Avec Ryan O'Neal, Ali McGraw
Un homme issu d'une famille aisée, étudiant en droit à Harvard rencontre une jeune fille à la bibliothèque où elle travaille pour payer ses études. Malgré le fait qu'ils appartiennent à des classes sociales différentes leur amour devient plus fort que tout mais sera soumis aux épreuves de la vie...
L'inspiration de l'auteur...
L'auteur du livre Erich Segal dit s'être inspiré de deux figures célèbres pour son personnage d'Oliver : Al Gore et Tommy Lee Jones.
Le rôle principal masculin
Si Ali Mac Graw fut rapidement choisie pour incarner le rôle principal féminin (puique c'est son mari Robert Evans, patron du studio qui détenait les droits du livre), plusieurs acteurs déclinèrent l'offre du rôle d'Oliver : Michael York, Jon Voight, Beau Bridges, Michael Sarrazin, ainsi que Michael Douglas.
Resumé du film:
Oliver Barrett, IVe du nom, descend d'une grande lignée de diplômés de Harvard riches et éminents. Sans doute pour sortir du moule de l'« Ivy League » (c'est à dire des plus grandes universités de l'Est des États-Unis), il éprouve le coup de foudre pour Jennifer Cavalleri, une Américaine d'origine italienne étudiante à Radcliffe. Dès la fin de leur année universitaire, ils décident de se marier en dépit de l'avis du père d'Oliver, qui se brouille avec son fils.
Privé de l'aide financière de son père, le jeune couple lutte pour pouvoir payer les études d'Oliver en école d'avocats. Finalement, ce dernier sort troisième de sa promotion, et obtient un travail très bien payé dans une firme d'avocats à New York, tandis que Jennifer enseigne la musique dans une école privée.
Au vu de leurs revenus maintenant élevés, mari et femme, tous deux 24 ans, décident de faire un enfant. Mais le succès ne vient pas, et après un certain nombre d'essais, ils consultent un spécialiste, qui, après de nombreux tests sanguins, informe Oliver que Jennifer a une leucémie et est condamnée à très court terme.
Oliver essaie de se comporter « normalement » selon les conseils du docteur, sans en parler à Jennifer, mais celle-ci l'apprend toutefois par un autre médecin. Jennifer décide d'aller à l'hôpital pour commencer une thérapie du cancer, et Oliver commence à manquer d'argent pour payer l'hôpital. Désespéré, il va demander l'aide financière de son père, arguant d'une bêtise avec une fille.
De son lit d'hôpital, Jennifer arrange ses funérailles avec son père, puis demande à Oliver de ne pas s'en vouloir, avant de lui demander de la serrer dans ses bras avant de mourir.
Le film a été sans doute le plus grand succès de l'année 1971.
Une suite fut tournée en 1978 : Oliver's Story
Citation ds le film, que je dis tjrs
Phrase connue : « L'amour, c'est n'avoir jamais à dire qu'on est désolé » (« Love means never having to say you're sorry »)
MA CRITIQUE:
Véritable chef d'oeuvre de romantisme,mais surtout "Love Story" c'est une musique sublimme et emblématique, une histoire triste mais tellement belle. Beaucoup d'esprit. Les clichés américains du mélodramatique commercial proposés aujourd'hui chez Hollywood n'existent pas dans ce film à la très grande sensibilité.
Calvaire il est dérangeant, stressant, malsain,traumatisant,voila les qualificatifs que je donnerais à ce film,mais excellent!!
L'interprétation de Lucas et Berroyer est magistrale,Jackie Berroyer en psychopathe c'est du pur bonheur, c'est vraiment pour moi un petit bijoux...........Belge et du pur Belge réalisé par un Belge dans les ardennes bien BElge!!(il etait temps)!!
Réalisé par Fabrice Du Welz
Avec Laurent Lucas, Jackie Berroyer, Philippe Nahon
Marc Stevens est un chanteur itinérant. A l'hospice, le concert est terminé. Celui-ci reprend la route, mais il tombe en panne au milieu de nulle part. M. Bartel, un aubergiste psychologiquement fragile depuis que son épouse Gloria l'a quitté, le recueille.
C'est alors que commence le cauchemar de Marc : M. Bartel voit en lui l'incarnation de son ex-femme et tout le village est persuadé que celle-ci est rentrée au pays
L'interprétation de Lucas et Berroyer est magistrale,Jackie Berroyer en psychopathe c'est du pur bonheur, c'est vraiment pour moi un petit bijoux...........Belge et du pur Belge réalisé par un Belge dans les ardennes bien BElge!!(il etait temps)!!
Réalisé par Fabrice Du Welz
Avec Laurent Lucas, Jackie Berroyer, Philippe Nahon
Marc Stevens est un chanteur itinérant. A l'hospice, le concert est terminé. Celui-ci reprend la route, mais il tombe en panne au milieu de nulle part. M. Bartel, un aubergiste psychologiquement fragile depuis que son épouse Gloria l'a quitté, le recueille.
C'est alors que commence le cauchemar de Marc : M. Bartel voit en lui l'incarnation de son ex-femme et tout le village est persuadé que celle-ci est rentrée au pays
Arnie Cunningham est un jeune garçon qui n'existe pas aux yeux des autres, excepté à ceux de son ami Dennis. Souffre douleur dans son lycée, mal dans sa peau, sa seule passion consiste à restaurer une vieille voiture complètement rouillée, une Plymouth Fury 58, baptisée Christine. Mais bientôt, grâce à son travail acharné et à la stupéfaction de tout le monde, le véhicule reprend vie et roule ! Arnie devient plus sur de lui, il s'affirme. Seulement son nouveau comportement ne plait pas et une bande de voyous décide d'organiser des représailles. Christine en est la cible et est détruite lors d'un vandalisme. Mais comme par magie, l'automobile se reconstruit et entreprend de venger Arnie...
Très bon film de John Carpenter, « Christine » provient d'un roman de Stephen King mais remanié par le cinéaste et le scénariste Bill Phillips qui ont volontairement omis des éléments trop fantastiques du livre. Entre-autre, l'apparition du fantôme de LeBay (l'ancien propriétaire de la voiture) qui aurait du se présenter sur le siège arrière du véhicule est totalement occultée. Que nenni, ce n'est pas pour autant que le film perd en force ce que la multitude de détails du pavé concocté par King nous offrait. Et même si Carpenter regrettera par ailleurs son choix estimant après coup qu'il aurait du suivre plus fidèlement le bouquin plutôt que de se concentrer sur les rapports d'Arnie et de la voiture, la décision du réalisateur fut néanmoins très intéressante. Le film est bon. Malgré tout, les résultats commerciaux de l'époque furent pourtant décevants et coïncidèrent avec une période de déprime traversée par le cinéaste.
Avec : Keith Gordon, John Stockwell, Alexandra Paul, Robert Prosky, Harry Dean Stanton, Christine Belford
Réalisateur : John Carpenter
Très bon film de John Carpenter, « Christine » provient d'un roman de Stephen King mais remanié par le cinéaste et le scénariste Bill Phillips qui ont volontairement omis des éléments trop fantastiques du livre. Entre-autre, l'apparition du fantôme de LeBay (l'ancien propriétaire de la voiture) qui aurait du se présenter sur le siège arrière du véhicule est totalement occultée. Que nenni, ce n'est pas pour autant que le film perd en force ce que la multitude de détails du pavé concocté par King nous offrait. Et même si Carpenter regrettera par ailleurs son choix estimant après coup qu'il aurait du suivre plus fidèlement le bouquin plutôt que de se concentrer sur les rapports d'Arnie et de la voiture, la décision du réalisateur fut néanmoins très intéressante. Le film est bon. Malgré tout, les résultats commerciaux de l'époque furent pourtant décevants et coïncidèrent avec une période de déprime traversée par le cinéaste.
Avec : Keith Gordon, John Stockwell, Alexandra Paul, Robert Prosky, Harry Dean Stanton, Christine Belford
Réalisateur : John Carpenter
Haute tension
Alex et Marie, deux étudiantes d'une vingtaine d'années, partent réviser leurs examens dans une ferme isolée. Celle-ci appartient aux parents d'Alex, présents également dans la demeure avec leur tout jeune fils. Dès la première nuit, une camionnette qui errait dans les parages se stationne tout près de la maison et son conducteur étrange vient sonner au domicile. Marie, qui regarde attentivement le manège par la fenêtre du haut de sa chambre, aperçoit horrifiée l'homme assassiner le père d'Alex puis entrer à l'intérieur de l'habitation. Il exécute froidement les autres membres de la famille excepté Alex qu'il enchaîne, et entreprend de visiter une par une les pièces de la maison pour neutraliser d'éventuels témoins. Marie réussit à se cacher in extremis mais ne peut appeler les secours, le téléphone étant hors d'usage. L'homme repart et Marie s'engage alors à sa poursuite pour sauver son amie enlevée.
Réalisateur : Alexandre Aja
Scénario : Alexandre Aja, Grégory Levasseur
Avec:Cécile De France, Maïwenn Le Besco, Philippe Nahon, Franck Khalfoun, Andrei Finti, Oana Pellea, Marco Claudiu Pascu, Jean-Claude de Goros, Bogdan Uritescu, Gabriel Spahiu
Alex et Marie, deux étudiantes d'une vingtaine d'années, partent réviser leurs examens dans une ferme isolée. Celle-ci appartient aux parents d'Alex, présents également dans la demeure avec leur tout jeune fils. Dès la première nuit, une camionnette qui errait dans les parages se stationne tout près de la maison et son conducteur étrange vient sonner au domicile. Marie, qui regarde attentivement le manège par la fenêtre du haut de sa chambre, aperçoit horrifiée l'homme assassiner le père d'Alex puis entrer à l'intérieur de l'habitation. Il exécute froidement les autres membres de la famille excepté Alex qu'il enchaîne, et entreprend de visiter une par une les pièces de la maison pour neutraliser d'éventuels témoins. Marie réussit à se cacher in extremis mais ne peut appeler les secours, le téléphone étant hors d'usage. L'homme repart et Marie s'engage alors à sa poursuite pour sauver son amie enlevée.
Réalisateur : Alexandre Aja
Scénario : Alexandre Aja, Grégory Levasseur
Avec:Cécile De France, Maïwenn Le Besco, Philippe Nahon, Franck Khalfoun, Andrei Finti, Oana Pellea, Marco Claudiu Pascu, Jean-Claude de Goros, Bogdan Uritescu, Gabriel Spahiu
Petite présentation
L'histoire commence une beau matin de l'année 1926... Oliver Hardy espère depuis quelques temps déjà une place de figurant sur les différents tournages que le réalisateur Hal Roach réalise... En effet il a besoin d'un peu d'argent malgré le fait qu'il soit propriétaire d'une salle de cinéma et qu'il a déjà participé à près de 500 films... Ainsi son visage est déjà connu de quelques personnes...
Mais la différence de cette matinée par rapport à la monotonie des autres c'est que ce matin là un certain Stan Laurel se rend lui aussi dans les bureaux de Hal Roach... Enfin je dis un certain; mais il faut savoir que Stan Laurel avait déjà fait ses preuves comme comédien et s'était déjà fait une petite célébrité. Mais bien que le statut peut paraître flatteur... Laurel s'est très vite lassé de ce titre et a préféré se livrer à une activité de pitreries... il s'essaie aussi dans l'écriture de scénarios...
Mais alors qu'ils se destinaient à se frôler sans s'accorder un regard... un jeune metteur en scène du nom de Leo McCarey est flashé par ce couple qui malgré leurs différences s'assemblent parfaitement bien....
Il s'imagine une alchimie parfaite entre Laurel à la taille fine cultivant la bienséance et Hardy ce gros monsieur qui multiplie les maladresses...
Le pari est réussi car dés le premier épisode le succès attendu leur tombe sur la tête... Si bien que Leo flaire déjà les énormes bénéfices qu'il pourra engendrer avec ce duo du siècle... dès le premier clap, les deux personnages font exploser leur personnalité réciproque.... et la fusion est tellement parfaite... si bien que 106 épisodes seront tournés entre 1926 et 1951... la clefs du succès: plus ils veulent bien faire... plus ils multiplient les catastrophes...
Laurel passe pour l'incorrigible maladroit, élément déclencheur des catastrophes... et Hardy devient la victime de Laurel.....
Derrière les caméras, les rôles sont également bien dessinés... Laurel écrit les scénarios des gags et sketchs qui se retrouveront au sein de ces épisodes et Hardy accepte les retombées sans rechigner. Et pour ne pas gâcher l'amitié qui s'était installée au sein de leur duo, ils ont choisi de ne pas se fréquenter en dehors des plateaux....
Mais la tragédie de cette comédie puisqu'il y en a une, c'est que nos deux héros se retrouveront complètement fauchés à la fin de cette aventure qui devient par conséquent une terrible mésaventure...
En effet, Hollywood leur a joué l'un de ses plus mauvais tours... ils étaient liés par un contrat quasi identique que celui du début (c'est-à-dire qu'ils ne touchaient pas un dollar pour toutes les rediffusions télé qui auront lieu par la suite...) Et leur salaire n'atteindra jamais la hauteur de leur talent...
Si bien qu'en 1957, Hardy décède dans l'indifférence et l'ignorance générale... Cette histoire tellement révoltante a néanmoins permis à Stanley de recevoir un oscar d'honneur en 1961...
Et c'est en 1965 que Laurel accompagnera son partenaire dans les cieux...
Mais l'histoire ne s'arrête pas là puisque même au 21ème siècle tout le monde connaît encore le célèbre refrain:
"C'est moi Laurel, c'est toi Hardy, c'est moi le plus gros et toi le petit....."
L'histoire commence une beau matin de l'année 1926... Oliver Hardy espère depuis quelques temps déjà une place de figurant sur les différents tournages que le réalisateur Hal Roach réalise... En effet il a besoin d'un peu d'argent malgré le fait qu'il soit propriétaire d'une salle de cinéma et qu'il a déjà participé à près de 500 films... Ainsi son visage est déjà connu de quelques personnes...
Mais la différence de cette matinée par rapport à la monotonie des autres c'est que ce matin là un certain Stan Laurel se rend lui aussi dans les bureaux de Hal Roach... Enfin je dis un certain; mais il faut savoir que Stan Laurel avait déjà fait ses preuves comme comédien et s'était déjà fait une petite célébrité. Mais bien que le statut peut paraître flatteur... Laurel s'est très vite lassé de ce titre et a préféré se livrer à une activité de pitreries... il s'essaie aussi dans l'écriture de scénarios...
Mais alors qu'ils se destinaient à se frôler sans s'accorder un regard... un jeune metteur en scène du nom de Leo McCarey est flashé par ce couple qui malgré leurs différences s'assemblent parfaitement bien....
Il s'imagine une alchimie parfaite entre Laurel à la taille fine cultivant la bienséance et Hardy ce gros monsieur qui multiplie les maladresses...
Le pari est réussi car dés le premier épisode le succès attendu leur tombe sur la tête... Si bien que Leo flaire déjà les énormes bénéfices qu'il pourra engendrer avec ce duo du siècle... dès le premier clap, les deux personnages font exploser leur personnalité réciproque.... et la fusion est tellement parfaite... si bien que 106 épisodes seront tournés entre 1926 et 1951... la clefs du succès: plus ils veulent bien faire... plus ils multiplient les catastrophes...
Laurel passe pour l'incorrigible maladroit, élément déclencheur des catastrophes... et Hardy devient la victime de Laurel.....
Derrière les caméras, les rôles sont également bien dessinés... Laurel écrit les scénarios des gags et sketchs qui se retrouveront au sein de ces épisodes et Hardy accepte les retombées sans rechigner. Et pour ne pas gâcher l'amitié qui s'était installée au sein de leur duo, ils ont choisi de ne pas se fréquenter en dehors des plateaux....
Mais la tragédie de cette comédie puisqu'il y en a une, c'est que nos deux héros se retrouveront complètement fauchés à la fin de cette aventure qui devient par conséquent une terrible mésaventure...
En effet, Hollywood leur a joué l'un de ses plus mauvais tours... ils étaient liés par un contrat quasi identique que celui du début (c'est-à-dire qu'ils ne touchaient pas un dollar pour toutes les rediffusions télé qui auront lieu par la suite...) Et leur salaire n'atteindra jamais la hauteur de leur talent...
Si bien qu'en 1957, Hardy décède dans l'indifférence et l'ignorance générale... Cette histoire tellement révoltante a néanmoins permis à Stanley de recevoir un oscar d'honneur en 1961...
Et c'est en 1965 que Laurel accompagnera son partenaire dans les cieux...
Mais l'histoire ne s'arrête pas là puisque même au 21ème siècle tout le monde connaît encore le célèbre refrain:
"C'est moi Laurel, c'est toi Hardy, c'est moi le plus gros et toi le petit....."
Drogue, alcool et violence furent les principaux ingrédients dans lesquels grandit Danny Trejo. Né le 11 novembre 1944 à Echo Park, Los Angeles, Danny Trejo est initié dès l'âge de 8 ans à la marijuana par l'un de ses oncles. Très vite, il devient dépendant et passe alors une partie de sa jeunesse derrière les barreaux. Et la prison l'enferme dans une caste et là-bas, il se détruit inlassablement.
"J'ai toujours du jouer les durs pour survivre. Une fois je me suis retrouvé au trou (seul dans l'obscurité) pendant 17 mois. C'est drôle mais tu deviens dingue à force de lutter contre la folie."
Mais en prison, Danny fait tout pour s'en sortir. Il suit alors un programme en 12 étapes (un programme très lourd donc) et sortira de prison. A sa sortie, il s'investi lui-même dans un programme de prévention contre les drogues à Los Angeles Ouest. Il travaille pour la Western Pacific Rehab et y travaille d'ailleurs toujours.
Danny se met au service des autres, il va dans les universités, va voir les gens pour parler avec eux et il travaille avec Barrios Unidos (un programme qui vise à calmer les animosités entre gangs).
En 1983, Danny Trejo prête sa voix pour les besoins de Le Marin des mers de Chine de Jackie Chan. Mais tout commence véritablement en 1985. Danny dirige alors une réunion des Cocaïnomanes Anonymes. Un soir, il est appelé par un jeune qui ne s'était plus drogué depuis plus de 100 jours, mais il touche le fond, il a peurt de réplonger. Trejo se rend donc sur son lieu de travail pour lui parler. Il travaillait sur le plateau du film Runaway Train. Un type demanda à Danny Trejo s'il voulait faire de la figuration pour interprèter un prisonnier. Danny sourit et lui confie que jouer un prisonnier ne devrait pas lui poser trop de problèmes. Avec sa "gueule", Trejo est désormais classé parmi les méchants et joue principalement des prisonniers ou des voyous.
Si Danny Trejo fut longtemps cantonné dans des rôles de types patibulaires, c'est grâce (ou à cause) de l'authenticité que sa gueule assure. Il a un tel visage que l'on ne dout pas un seul instant qu'il est mauvais. La plupart des gens en sont d'ailleurs convaincus, allant même jusqu'à penser que l'acteur est un véritable salaud dans la vraie vie. C'est son cousin, Robert Rodriguez qui va déceler chez lui (à la manière d'un tarantino) une autre facette de son jeu pour l'exploiter comme personne. Avec Rodriguez, Trejo peut enfin sortir de sa case, il est sublimé ! Il tournera avec lui Desperado 1 et 2, et la trilogie des Spy Kids. Mais c'est avec Une nuit en enfer que Danny décroche son plus beau rôle en incarnant un barman vampire peu engageant.
Danny Trejo est un acteur unique de part sa gueule et de part le coeur qu'il met à l'ouvrage.
Friedrich Wilhelm Murnau, de son vrai nom Friedrich Wilhelm Plumpe, mais habituellement appelé F.W. Murnau, était un réalisateur allemand, né le 28 décembre 1888 à Bielefeld (Allemagne) et décédé le 11 mars 1931 à Santa Barbara (Californie) dans un accident de la route.
Biographie
Surnommé Murglie, Friedrich Wilhelm Plumpe étudia l'art et la littérature à l'Université d'Heidelberg (selon la volonté de ses parents) puis s'engagea comme acteur dans la troupe de théâtre Max Reinhardt. En opposition avec le dessein que lui avaient imaginé ses parents, il finira par changer de nom (Murnau) pour partir sur son propre chemin. Il débute au lendemain de la Première Guerre mondiale une carrière au cinéma et réalise son premier film en 1919 (Satanos)
En 1921, le succès de Nosferatu l'impose comme maître du septième art. Mais après l'échec de Faust, en Allemagne, en 1926, il part à New York et y signe un contrat avec la Fox.
William Fox, grand admirateur de Murnau et du Dernier des hommes, fera de lui un héros dès son arrivée aux États-Unis. De L'Aurore, long métrage réalisé à ce moment de sa vie, Truffaut dira que c'est « le plus beau film du monde ».
En 1929, Murnau rallie sur son voilier Los Angeles à Tahiti. Il en avait assez d'Hollywood et de ses studios. Il rêvait de tourner des films « en vraie grandeur ».
Associé à Robert Flaherty, ils tournent ensemble Tabou, à Bora-Bora, en Polynésie. Ce poème lyrique sur les amours interdites de deux amants iliens, sera le dernier chef-d'½uvre de sa trop courte carrière.
Selon la légende, lors du tournage , F.W. Murnau fut maudit par un vieux Polynésien, parce qu'il avait disposé son bungalow sur un cimetière. Puis une voyante lui prédit qu'il rentrerait en Europe d'une façon insolite. Enfin, un astrologue lui dit qu'il mourrait dans un accident d'automobile. Effectivement, le conducteur qui l'emmena perdit le contrôle de la voiture et F.W. Murnau mourut peu après.
Il fut rapatrié en Allemagne... par bateau.
C'est Emil Jannings qui dut payer les frais d'embaumement de Murnau.
Filmographie
1919 : Der Knabe in Blau
1919 : Satanas
1920 : Le Bossu et la danseuse ou Le Baiser vert
1920 : Le Crime du docteur Warren
1920 : L'Émeraude fatale
1920 : La Marche dans la nuit
1921 : La Découverte d'un secret
1922 : Marizza, gennant die Schmugglermadonna
1922 : Nosferatu le Vampire
1922 : La Terre qui flambe
1922 : Le Fantôme
1923 : L'Expulsion
1924 : Les Finances du grand duc
1924 : Le Dernier des hommes
1926 : Tartuffe
1926 : Faust, une légende allemande
1927 : L'Aurore
1928 : Les Quatre Diables
1930 : L'Intruse (City Girl)
1931 : Tabou
1927 : Oscar de la meilleure actrice pour
Biographie
Surnommé Murglie, Friedrich Wilhelm Plumpe étudia l'art et la littérature à l'Université d'Heidelberg (selon la volonté de ses parents) puis s'engagea comme acteur dans la troupe de théâtre Max Reinhardt. En opposition avec le dessein que lui avaient imaginé ses parents, il finira par changer de nom (Murnau) pour partir sur son propre chemin. Il débute au lendemain de la Première Guerre mondiale une carrière au cinéma et réalise son premier film en 1919 (Satanos)
En 1921, le succès de Nosferatu l'impose comme maître du septième art. Mais après l'échec de Faust, en Allemagne, en 1926, il part à New York et y signe un contrat avec la Fox.
William Fox, grand admirateur de Murnau et du Dernier des hommes, fera de lui un héros dès son arrivée aux États-Unis. De L'Aurore, long métrage réalisé à ce moment de sa vie, Truffaut dira que c'est « le plus beau film du monde ».
En 1929, Murnau rallie sur son voilier Los Angeles à Tahiti. Il en avait assez d'Hollywood et de ses studios. Il rêvait de tourner des films « en vraie grandeur ».
Associé à Robert Flaherty, ils tournent ensemble Tabou, à Bora-Bora, en Polynésie. Ce poème lyrique sur les amours interdites de deux amants iliens, sera le dernier chef-d'½uvre de sa trop courte carrière.
Selon la légende, lors du tournage , F.W. Murnau fut maudit par un vieux Polynésien, parce qu'il avait disposé son bungalow sur un cimetière. Puis une voyante lui prédit qu'il rentrerait en Europe d'une façon insolite. Enfin, un astrologue lui dit qu'il mourrait dans un accident d'automobile. Effectivement, le conducteur qui l'emmena perdit le contrôle de la voiture et F.W. Murnau mourut peu après.
Il fut rapatrié en Allemagne... par bateau.
C'est Emil Jannings qui dut payer les frais d'embaumement de Murnau.
Filmographie
1919 : Der Knabe in Blau
1919 : Satanas
1920 : Le Bossu et la danseuse ou Le Baiser vert
1920 : Le Crime du docteur Warren
1920 : L'Émeraude fatale
1920 : La Marche dans la nuit
1921 : La Découverte d'un secret
1922 : Marizza, gennant die Schmugglermadonna
1922 : Nosferatu le Vampire
1922 : La Terre qui flambe
1922 : Le Fantôme
1923 : L'Expulsion
1924 : Les Finances du grand duc
1924 : Le Dernier des hommes
1926 : Tartuffe
1926 : Faust, une légende allemande
1927 : L'Aurore
1928 : Les Quatre Diables
1930 : L'Intruse (City Girl)
1931 : Tabou
1927 : Oscar de la meilleure actrice pour
Charles Spencer dit Charlie Chaplin est né le 16 Avril 1889 à Walworth un quartier pauvre de Londres de parents artistes de music hall.
Il passe une partie de sa petite enfance ballotté entre institutions pour jeunes miséreux et une vie pauvre et précaire aux côtés de sa mère et de son demi-frère.
Il fait sa première apparition sur scène, alors qu'il n'a que cinq ans, pour venir en aide à sa mère qui, prise d'une extinction de voix subite, ne peut plus assurer son spectacle. Il sont tous les deux hués par le public.
A dix ans, il débute sa carrière professionnelle dans une troupe d'enfants danseurs de claquettes, "Les huit gars du Lancashire". Puis pendant plusieurs années, il interprète le rôle du petit groom Billy dans la pièce "Sherlock Holmes".
En 1908, il signe un contrat avec Fred Karno, alors grand imprésario britannique de spectacles de cabaret, pour être dans sa troupe de théâtre. C'est une occasion unique pour Charles de se faire connaître. Il joue dans plusieurs sketchs et pièces de théâtre au travers de l'Angleterre et traverse même l'atlantique pour se produire aux Etats-Unis. Conquis par ce pays il s'y installe en 1912 et fait sa première apparition à l'écran en 1913 dans une production de la Keystone Film Company sous la direction de Mack Sennett.
Il créée le personnage mondialement célèbre de Charlot en 1914 dans le film "Charlot est content de lui" (Kid Auto Races at Venice).
Très vite, il devient lui-même réalisateur et, reprenant le personnage de Charlot (vagabond à la démarche de canard, caractérisé par un chapeau melon surplombant une chevelure noire et frisottée, une moustache en mouche sous le nez, une redingote étroite et râpée, un pantalon trop large et usée, des godillots fatigués et immenses, une éternelle badine de jonc à la main), le met en scène dans plus de 70 films : "The Kid", "Le Pèlerin", "La Ruée vers l'or", "Le Cirque", "les Lumières de la ville", "Les Temps Modernes", etc.
Chaplin, avec l'avènement du cinéma parlant, eût des difficultés pour adapter son style qui à partir des "Temps Modernes" prend une dimension politique (description virulente du travail à la chaîne). Marquant cette transition politique et sonore, "Le Dictateur", véritable pamphlet anti-hitlérien, utilise toutes les ressources du parlant.
En 1947, Chaplin est accusé de sympathies communistes par la Commission des activités anti-américaines. De plus, J. Edgar Hoover mène contre lui une campagne acharnée, visant à lui faire reconnaître la paternité d'un enfant d'une de ses ex-conquêtes. Face à ses accusations Chaplin décide de s'exiler. En 1952, il s'installe en Suisse. Son exil met presque un coup d'arrêt à sa carrière.
Son film, "Un Roi à New York", tourné en Grande-Bretagne en 1957, témoigne de cette période et est une violente condamnation de l'obscurantisme du maccarthysme.
Son dernier film "La Comtesse de Hong Kong" (1967) est un cuisant échec. En 1972 il reçoit un oscar récompensant sa contribution à l'industrie cinématographique. En 1975 il est anobli par la reine d'Angleterre. Il meurt le 25 décembre 1977 sans jamais avoir cessé son activité de scénariste et de musicien
Il passe une partie de sa petite enfance ballotté entre institutions pour jeunes miséreux et une vie pauvre et précaire aux côtés de sa mère et de son demi-frère.
Il fait sa première apparition sur scène, alors qu'il n'a que cinq ans, pour venir en aide à sa mère qui, prise d'une extinction de voix subite, ne peut plus assurer son spectacle. Il sont tous les deux hués par le public.
A dix ans, il débute sa carrière professionnelle dans une troupe d'enfants danseurs de claquettes, "Les huit gars du Lancashire". Puis pendant plusieurs années, il interprète le rôle du petit groom Billy dans la pièce "Sherlock Holmes".
En 1908, il signe un contrat avec Fred Karno, alors grand imprésario britannique de spectacles de cabaret, pour être dans sa troupe de théâtre. C'est une occasion unique pour Charles de se faire connaître. Il joue dans plusieurs sketchs et pièces de théâtre au travers de l'Angleterre et traverse même l'atlantique pour se produire aux Etats-Unis. Conquis par ce pays il s'y installe en 1912 et fait sa première apparition à l'écran en 1913 dans une production de la Keystone Film Company sous la direction de Mack Sennett.
Il créée le personnage mondialement célèbre de Charlot en 1914 dans le film "Charlot est content de lui" (Kid Auto Races at Venice).
Très vite, il devient lui-même réalisateur et, reprenant le personnage de Charlot (vagabond à la démarche de canard, caractérisé par un chapeau melon surplombant une chevelure noire et frisottée, une moustache en mouche sous le nez, une redingote étroite et râpée, un pantalon trop large et usée, des godillots fatigués et immenses, une éternelle badine de jonc à la main), le met en scène dans plus de 70 films : "The Kid", "Le Pèlerin", "La Ruée vers l'or", "Le Cirque", "les Lumières de la ville", "Les Temps Modernes", etc.
Chaplin, avec l'avènement du cinéma parlant, eût des difficultés pour adapter son style qui à partir des "Temps Modernes" prend une dimension politique (description virulente du travail à la chaîne). Marquant cette transition politique et sonore, "Le Dictateur", véritable pamphlet anti-hitlérien, utilise toutes les ressources du parlant.
En 1947, Chaplin est accusé de sympathies communistes par la Commission des activités anti-américaines. De plus, J. Edgar Hoover mène contre lui une campagne acharnée, visant à lui faire reconnaître la paternité d'un enfant d'une de ses ex-conquêtes. Face à ses accusations Chaplin décide de s'exiler. En 1952, il s'installe en Suisse. Son exil met presque un coup d'arrêt à sa carrière.
Son film, "Un Roi à New York", tourné en Grande-Bretagne en 1957, témoigne de cette période et est une violente condamnation de l'obscurantisme du maccarthysme.
Son dernier film "La Comtesse de Hong Kong" (1967) est un cuisant échec. En 1972 il reçoit un oscar récompensant sa contribution à l'industrie cinématographique. En 1975 il est anobli par la reine d'Angleterre. Il meurt le 25 décembre 1977 sans jamais avoir cessé son activité de scénariste et de musicien
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